Eco Social

...os estrangeiros e as cicatrizes - Exílios

2009-01-04T14:17:00.008-02:00

“O músico Zano (Romain Duris) propõe à sua amante Naïma (Lubna Azabal) que ambos façam uma viagem até a Argélia, país de onde seus pais emigraram décadas atrás. Eles atravessam a França e a Espanha até que, tomados por um forte sentimento de liberdade, abandonam-se aos ritmos sensuais da Andaluzia. De um encontro a outro, eles cruzam o Mediterrâneo e terminam a viagem com a promessa da descoberta de si mesmos.”

Qual o poder das lembranças, a importância das origens e as mudanças que o tempo tratou de modificar no seu ser interior? São os questionamentos que o roteirista e diretor Tony Gatlif, vencedor do prêmio de Melhor Diretor por esse filme no Festival de Cannes de 2004, propõe refletir durante esse estimulante road movie.
Da França à Argélia, os personagens transpõem não só barreiras clandestinas, como também culturas e costumes estrangeiros que desafiam a identidade de cada um. Como um bom filme de estrada, os personagens são gradativamente apresentados até se tornarem os mais completos possíveis. Nesse aspecto, o diretor assume o papel de harmonizador da estética do espaço com a expressividade dos personagens. A fotografia moldada na geografia do submundo, forte e pesada, utiliza-se constantemente dos temperamentos de Zano (Romain Duris) e Naïma (Lubna Azabal) em busca do quadro perfeito, a relação animal do ser humano com o espaço. Há uma sensação de que o bucolismo nunca esteve tão interagido como está nessa obra. A fantástica cena de reconciliação do casal, após um suposto adultério numa apimentada noite de dança flamenca, deve ser a provável ilustração da descoberta do sexo e do pecado por Adão e Eva.

A música é outra constante na história, pois assume a noção de vitalidade da alma e do corpo como o refúgio de cada vez mais tornar-se estrangeiro, estar distante de tudo que lhe pertence. Mas é exatamente nesse ponto que está o paradoxo, a ironia. A viagem é um retorno às lembranças de Zano, mas Naima aos poucos percebe que o incomodo de ser estrangeira é talvez perceber que pertence àquilo tudo que se depara ao longo da viagem. O primor da seqüência final é transmitir tensamente as intenções dos personagens naquela espécie de exorcismo da alma e reorientação das origens.
Ao término de Exílios, aquela sensação de excelente filme é inevitável. Nada falta, nada excede. Destaque para a bela e espontânea Naima, interpretada brilhantemente por Lubna Azabal, um personagem único no Cinema. Romain Duris completa Azabal de maneira necessária e gratificante. Não existiria o filme sem essa mescla de atores e personagens. Mas prefiro não duvidar do potencial de Tony Gatlif, pois ele parece fazer mágica a cada frame captado.

...quando o taco faz o jogador - Violência Gratuita

2008-12-31T14:45:00.006-02:00

“Um simples período de férias em sua casa de campo a beira de um lago transformando em pesadelo para uma família quando, estranhamente, recebem a visita de dois jovens psicopatas, que os submetem a um tenso jogo de tortura psicológica.”

Um dos filmes mais sustentados por discussões e críticas a fim de se tornar um cultuado exemplar sobre a transgressão social e psicológica do ser humano. Talvez motivado por essa aceitação do conteúdo de seu filme, por boa parte de críticos e intelectuais, Michael Haneke não tenha pensado no risco que estaria se submetendo ao refilmar o polêmico Violência Gratuita. Todo aquele papo de filme para “ler nas entrelinhas” já se encontra desgastado demais, principalmente em tempos que as entrelinhas ganharam formas sólidas e evidentes, nesse caso específico.

A violência só existe pela falta de bons modos e de diálogo no relacionamento entre as pessoas. Ponto para você, Haneke. A adolescência é fértil para se entregar ao caos do “viver em sociedade” e pode se resumir a um vazio existencial capaz de levar à agressividade e falta de princípios morais, resultando novamente na violência por si só. Novamente, ponto para Michael Haneke. O saldo disso tudo mesmo assim não é muito positivo, ao analisarmos como e o quão profundo esse conteúdo é transmitido. A resposta é pura violência gratuita, sem trilha nem susto hollywoodiano. A tensão provocada pela agressão física e psicológica e a invocação do público para participar da trama é perturbante, mas sustentado em um vazio evidente.
A função do idealizador de uma obra é disponibilizar os elementos a serem utilizados pelo público, dessa forma, felizes aqueles capazes de absorver também as entrelinhas. Mas em Funny Games, isso é limitado pela própria falta de profundidade do tema. Acho que depois de casos reais como menina rica que mata os pais com a ajuda do namorado, pais que atiram a filha da janela de um apartamento, adolescente que mata a ex-namorada depois de fazê-la refém, entre outros, a violência de Funny Games está substancialmente exposta nos noticiários, sem profundos estudos e banal acima de tudo. Resumindo, Michael Haneke não precisava refilmar um filme tão recente e frágil como este. Para os que dão genialidade a Heneke por essa obra, deviam começar a conhecer gente como Lars Von Trier, Alejandro González iñárritu, entre outros. O que não falta para esses é originalidade e conteúdo. No caso de Haneke, falta tempo e paciência para assistir a Violência Gratuita e sair comparando com Laranja Mecânica, por exemplo. É pedir demais.

(PS: Passado a temporada de vestibulares, o Eco Social volta a ativa! Feliz Ano Novo a todos. Boas realizações e felicidades em 2009, esperamos que com menos violência gratuita e mais escafandros e borboletas. Abraço!)

...ama-me um pouco mais - Les Chansons d'amour

2008-07-30T10:58:00.013-03:00

O começo é belo, de fato. O diretor Christophe Honoré com muita simplicidade expõe o cotidiano dos parisienses de maneira quase inédita no Cinema. Paris é mostrada naturalmente, sem o cultivo intenso do fetiche amoroso que a cidade possui. O comércio, o trânsito de carros e pessoas comuns, um morador de rua dormindo na calçada...quando entra em cena a bela Jeanne (Ludivine Sagnier); e a primeira parte é anunciada na tela: "A Partida".

São nesses minutos iniciais que o clima musical moderno surgi com naturalidade e leveza, a musicalidade sendo o motor narrativo de casos de amor, cíumes e perdas. Um triângulo amoroso incerto e limitado é proposto, mas sem causar impacto algum. O relacionamento entre Ismael (Louis Garrel) e Jeanne tem como auxílio a presença da bissexual Alice (Clotilde Hesme), companheira de trabalho de Ismael. Como já disse, é uma relação incerta e desconhecida já que o trio é apresentado formado e logo uma fatalidade muda o rumo de tudo. Essa estranheza inicial é compensada por uma boa dose de diálogos sobre não-sexo, romantismo e relação a três, seguida de interpretações inusitadas de Louis Garrel em um almoço na casa da namorada, Jeanne. A família é um personagem quase único, mostrado com muita despretensão e sem muita profundidade. E é isto que acaba caracterizando o filme de Honoré: falta de profundidade. As canções por mais belas e entusiasmadas que sejam (uma ou outra meio bobinha, em um contexto dispensável) não deveriam ser a salvação do filme. É a sensação que ficou para mim, pois só é plausível a profundidade que os personagens ganham quando estão cantando. Mérito para as canções que de piegas não tem nada, mas o problema é acompanhá-las a ponto da satisfação ser a merecida. Sem a parte musical, o filme não existira. Seria vazio e bobo.

O que me incomodou talvez é que Honoré parece ter desperdiçado muitos personagens interessantes, não há um cuidado muito especial com eles. Os diálogos mais ricos vão desaparecendo a partir da segunda parte do filme e caminha para um descuido ainda maior, com excessão das canções. Um desastre seria impossível ocorrer mesmo sem a presença de Erwann (Grégoire Leprince-Ringuet), que surgi pelo final da segunda parte, mas é evidente a força que o filme ganha com a presença desse personagem. Erwann mostra-se interessado por Ismael, mas é tudo especulação a princípio. Inexiste expressões como bissexual ou gay, o relacionamente que vai se formando entre os dois jovens vai além dessas denominações, algo como refúgio e solidão consolada que evolui aos poucos para algo maior ou não. De repente percebe-se que o foco é esse relacionamente entre os dois jovens, os outros personagens vão sendo soterrados cada vez mais, com intervenções mínimas. Até mesmo Alice se perde na trama. É inegável que o desfecho é tido como consequência também das ações desses personagens "esnobados".

Um desfecho bonito, cativante e frio. Um certo ar de redenção fica, mas a sinceridade é mais forte a ponto de torna convincente. Ainda não vi Dans Paris também de Christophe Honoré, mas o cineasta ainda precisa se adequar melhor com tratamento de roteiro e personagem. A direção não é extravagante, mas é exatamente esse o atrativo para o gênero musical moderno muito bem orquestrado neste aspecto. Canções de amor encanta, distrái e inova em muito. Mesmo assim, vão 3 estrelas e meia.

...me dê uma risada - Gummo

2008-07-24T11:04:00.004-03:00

Criador de Kids e Ken Park (ambos, porém, com direção de Larry Clark), Harmony Korine estréia na direção com Gummo e deixa evidente seu caráter excepcional em escrever e dirigir, características as quais são mantidas a risca em Julien Donkey Boy (Dogma #6) e provavelmente preservadas também em Mister Lonely, que está em pós-produção. Segundo Werner Herzog, Korine é a salvação do cinema americano. O seu estilo narrativo de tempo e veracidade fragmentados é constituído de imagens expressivas, desconexas, aleatórias e não necessariamente pertencentes a história, nesse caso dando a sensação de documentário nas "entre linhas".

Em Gummo essa aleatoriedade visual é o volante do cenário e dos personagens que ali vivem. A cidade é Xenia (Ohio), atingida por um tornado em 1974, o que pode ser a causa da fragmentação familiar marcante na realidade dos personagens. Aparentemente, tudo acontece em um bairro de classe média: casas americanas com jardins, abertas e sem muitas separações. O choque torna-se imenso quando percebemos o paradoxo entre o físico e o social. Trata-se da camada branca, pobre e de baixo nível educacional da sociedade americana; o lixo branco é camuflado pelo padrão físico americano, mas existe e pode ser comparado com qualquer outro contingente populacional que viva a esmo social. Os personagens são grotescos, decadentes, assumidamente reais. Dois que podem ser vistos como centrais são assassinos de gatos em troca de dinheiro, o qual é gastado com milk shake, cola e prostituta com síndrome de down. Nota-se no restante a mesma decadência social; o confronto de padrões é mostrado, crianças portam-se como adultas, porém sem muita imposição da moral em seus atos, a violência verbal é redimida a palavrões e agressividade sexual. A realidade é muito mais que consentida, mostra-se imersa nos indivíduos. São individualistas a tal ponto de não se fazerem vítimas de trauma familiar e social, o que fica evidente pelo fato da ausência quase completa de informações de parentesco, assim como discursos culposos a respeito de família. É uma camada de gente que vive guiados por eles mesmos, sufocados em dramas pessoais.
Harmony Korine cria um contexto de situações insanas, porém convincentes. A direção repleta de relatos soltos, imagens amadoras e situações pitorescas dá um clima sem perspectiva. Assistimos ao filme sabendo que não haverá clímax, assim como o cotidiano dos personagens. É um cenário tão amplo e indigesto que é capaz de aceitar como trilha sonora o heavy metal, música clássica e sucessos dos anos 50. Korine não tem receio em mostrar os diversos comportamentos que podem surgir na ausência da educação social, da disciplina dos homens. Mais que interessante é visualmente deslumbrante e singular.

...take me to your heart - Coração Selvagem

2008-07-06T13:55:00.012-03:00

Love me tender

Love me sweet,

Never let me go.

You have made my life complete,

And i love you so.

Love me tender

Love me true,

All my dreams fulfilled.

For my darlin' i love you,

And i always will.

Love me tender

Love me long,

Take me to your heart.

For it's there that i belong,

And we'll never part.

Love me tender

Love me true,

All my dreams fulfilled.

For my darlin' i love you,

And i always will.

Love me tender

Love me dear,

Tell me you are mine.

I'll be yours through all the years,

Till the end of time.

Uuhhhhh, uhhu…uhu, uuhu! Lah, lah…lahh, lah lah lah lahhhwww!
Oh Elvis!

“ - Let’s go dance, baby.
I’m ready”
E o rock’n roll entra em cena feito orgasmo de 100 mulheres e um porco. Nicolas Cage e Laura Dern dançando em psicodélia sexual, pele de cobra e seios modelados por couro frenético. Cabelos louros desgrenhados, malboro preso na boca e esmalte vermelho ao volante de um conversível em fúria pelas estradas do Texas.
Yeah, um road-movie do caralho!
Lynch deixa claro que ser o símbolo da bizarrice exige eloqüência e confiança, ao contrário de uma simples arte de criar a estranheza por si só, incompreensível e fútil como dizem alguns anti-lynchianos. Tudo acontece quase como uma modernização de O mágico de Oz, isso é o que dizem por aí (não lembro dessa história apesar de ter certeza de que fez parte da minha infância). Basicamente, trata-se de dois jovens dispostos a fazer de tudo para viver a paixão alucinada que sentem um pelo outro, mesmo que para isso seja necessário fugir da sogrona diabólica. Lynch desde Eraserhead mostrou um lado perverso para lidar com personificações de sogras, prefiro não me lembrar daquilo que vi. Em Coração Selvagem, a energia musical da vida loca é personagem constante e molda todas as ações dos personagens atípicos e alucinantes. Os assassinos contratados pela mãe da mocinha são os toques mais bizarros e violentos da trama, apesar de assumirem um cômico trash no contexto.

Esse contexto de sexo, nudez, erotismo, rock'n roll e diálogos despretensiosos marcadamente joviais é a tragada que Lynch nos obriga dar. A Fotografia é notória e estimulante até para leigos. Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, John Nance, Crispin Glover, Diane Ladd, Isabella Rossellini no elenco. Agradou a Cannes e recebeu a Palma de Ouro. Coração Selvagem é uma viagem bem “Elvis não morreu”!

...ao pedalar bucólico - Les Triplettes De Beleville

2008-06-14T19:00:00.009-03:00

“Champion é um menino solitário, que só sente alegria quando está em cima de uma bicicleta. Percebendo a aptidão do garoto, sua avó começa a incentivar seu treinamento, para fazê-lo um verdadeiro campeão e poder participar da Volta da França, principal competição ciclística do país. Porém, durante a disputa, Champion é sequestrado. Sua avó e seu cachorro Bruno partem então em sua busca, indo parar em uma megalópole localizada além do oceano e chamada Belleville.”

Animação ainda é um gênero que não conquistou o devido espaço e preferência. Para muitos é sinônimo de desenho infantil e entretenimento despretensioso. As exceções mais conhecidas são os amarelos Simpsons e derivados que esbanjam humor negro e críticas sempre atualizadas, sendo consideradas animações para adultos. No cinema o espaço é ainda mais restrito já que as animações ganham sala pelo seu atrativo “Disney” de ser. Porém algumas vezes tivemos o prazer de conhecer trabalhos como Akira, As Bicicletas de Belleville, Persépolis. Na verdade nem todos tiveram, aliás tratam-se de filmes “sérios” demais para Cinemas de Shopping Center, apesar de uma ou outra sala ter recebido esse “tipo sério” por no máximo uma semana (motivo: indicações ao Oscar, etc).
Sob a direção e roteiro de Sylvain Chomet, 8 milhões de dólares foram investidos na produção de As Bicicletas de Belleville. Uma animação fora dos padrões e com tudo pra ser considerada pretensiosa demais. Um exemplo típico de animação que tenta conquistar o título de gênero sério, inteligente e crítico.
Os personagens caricatos do contexto bucólico de uma Paris deprimente e sem brilho são atraentes pela melancolia bizarra e expressividade. A animação é quase uma homenagem ao cinema mudo pelos poucos diálogos (praticamente não há), apesar de ter uma trilha sonora ambientizada muito presente. E é justamente por ser quase todo dirigido em cima de sons e imagens que os personagens se tornam tão complexos e dimensionais, incluindo o sofrido cachorro Bruno e seus sonhos inquietantes. Mesmo com a frieza casualidade de comportamento observado na primeira parte do filme, o sentimentalismo mudo pode ser sentido pela atenciosa direção, inclusive digna de Oscar. Os olhares baixos, sigilosos e preocupados sempre focados e profundos.
Sylvain Chomet ainda cria diversas sátiras, além de criticar o consumismo americano, a obesidade dos fast food, artistas envelhecidos conseqüentemente esquecidos. Vemos isso com a estátua da liberdade obesa e as trigêmeas jovens cantoras e belas, posteriormente velhas e comedoras de sapos, entre outros exemplos. É relevante refletir também sobre os participantes da tal máfia secreta, a qual Champion é vítima e duramente utilizado com fins lucrativos. Talvez, por exemplo, uma analogia à práticas como o tráfico de mulheres para prostituição, a qual evidenciaria a existência de mundos obscuros baseados na lei do dinheiro, prazer e poder.
Recebeu 2 indicações ao Oscar, nas categorias de Melhor Filme de Animação e Melhor Canção Original ("The Triplets of Belleville"). Perdeu na categoria de Melhor Filme de Animação para Procurando Nemo. As Bicicletas de Beleville é um filme pouco conhecido e comentado, animação excepcional, porém abusiva demais para o convencional cinema animado. Um trabalho que ainda é pouco valorizado.

...o Jovem Maio 68 - 40 anos

2008-05-16T19:58:00.010-03:00

A 61ª edição do Festival de Cannes estreou com a Cegueira de Meirelles e o sentimento nostálgico de um tempo onde a cegueira não reinou, Maio de 1968. Há 40 anos o Festival de Cannes parou. No dia 13 de maio, os cineastas Jean-Luc Godard, François Truffaut e Claude Lelouch chegam à 21ª edição do evento e disseminam o caráter da revolta que acontecia em Paris desde o início daquele mês. O júri integrado por Roman Polanski, Louis Malle e a atriz Monica Vitti se adere ao protesto e o boicote é consolidado após a retirada dos filmes de Milos Forman, Carlos Saura e Alain Resnais, que disputavam a Palma de Ouro. Cannes é encerrado e o vigor político revolucionário é premiado. O que diabos acontecia? Ora, tudo “começou” dia 1 de Janeiro quando cinéfilos e cineastas saem em protesto indignados com o ministro da Cultura da França, Andre Malraux, que além de ameaçar cortar verbas da Cinemateca Francesa ainda havia demitido um dos fundadores da instituição, Henri Langlois. Em Maio, estudantes ocupam universidades e as ruas de Paris em confronto violento com os policiais da Compagnie Républicaines de Securité (CRS), a tropa de choque francesa. É o basta à burocracia das Universidades e a luta pelo reconhecimento da diversidade cultural e alcance dos direitos civis, assim como a liberação sexual e o anti-autoritarismo. Postura da Nova Esquerda, inspirados pelos intelectuais Herbert Marcuse e Guy Debord, os estudantes utilizavam a violência e a força intelectual da linguagem em cartazes e pichações que diziam: "A imaginação ao poder", “Abaixo o realismo socialista. Viva o surrealismo”, “Consuma mais, viva menos” ou “A humanidade só será feliz quando o último capitalista for enforcado com as tripas do último esquerdista”, dentre outros. Um contexto ideológico que se assemelhava muito aos indícios críticos da Nouvelle Vague, um dos motivos do Cinema ser considerado um personagem extremamente importante neste cenário político e social. Não foram apenas os cineastas da Nouvelle Vague que se mobilizaram, mas também o sindicato dos trabalhadores que anunciava greve e exigia melhoras nas condições de trabalho e aumento salarial.
O ano de 1968 foi palco de revoltas mundiais. No Brasil, estréia peça teatral “Roda Viva” (escrita por Chico Buarque e dirigida por José Celso Martinez Corrêa) enquanto estudantes enfrentavam o intensificado regime militar, marcado pela forte repressão policial e censura política. No mesmo ano, atores da peça são espancados por radicais de direita (integrantes do grupo Comando Caça aos Comunistas, CCC). E ainda, Carlos Marighella anuncia a criação da Ação Libertadora Nacional (ALN), organização que propunha a luta armada contra a ditadura militar. Nos EUA, Martin Luther King, militante dos movimentos contra a segregação racial, é assassinado no Tenesse. Dias depois o musical “Hair” estréia na Broadway causando polêmica pela nudez e apologia às drogas. Ano também em que Robert Kennedy é assassinado. Tais fatos são alguns de vários acontecimentos que marcaram aquele ano de paradoxos e também de juventude que não estava entendendo nada, segundo Caetano Veloso após ser vaiado por jovens na apresentação da canção “É proibido proibir”.Não é um aniversário de 40 anos, mas a celebração de anos que sempre remetem a 1968. O legado tem dimensões que conceituam democracia, aceitação da diversidade espiritual, cultural e sexual, dentre outros. Foi o ano que as manifestações organizadas e conscientes mostraram que podem mudar o rumo do sistema, mesmo que sem nenhuma tomada de poder pela juventude, como aconteceu.
O Cinema talvez seja o principal fator de memória e insistência nostálgica daquele ano. Mesmo com a intensidade ideológica dos conflitos juvenis e todo o contexto político mundial, o ano de 1968 aos poucos perde a sua lembrança e reconhecimento no âmbito político e social atual. A sétima arte, porém, hora ou outra nos presenteia com obras como Amantes Constantes, de Phillipe Garrel e Os Sonhadores, de Bernardo Bertolucci, que é felizmente tendencioso ao preferir relatar um caso isolado de três jovens que se refugiam em discursos políticos românticos, revolucionários, sexo, cigarro e Cinema ao invés de abordar as rebeliões estudantis de 68 em si. Bertolucci age intencionalmente crítico, pois afinal é esta a realidade da juventude contemporânea. Jovens que falam em Marx, socialismo, anarquismo, liberdade de expressão, Che Guevara e mais um acervo de termos revolucionários, que em tese e na prática ficam soltas em conversas de bar.
1968. O ano que aguardamos voltar. Há 40 anos dorme uma juventude. Descubra o Cinema se quiser conhecê-la! Ou se infiltre em bibliotecas e tente entre livros do Harry Potter encontrar algo que para aqueles tempos interessava a muitos.

Fonte: g1.globo.com

Mr. Mestre - David Lean

2008-04-27T13:50:00.003-03:00

Antes tarde do que nunca. Apresento a vocês o especial do cineasta David Lean e, talvez, fim do mês de Maio postarei o de Martin Scorsese ou François Truffat, ainda não sei se começarei pelos mais votados ou pelos menos votados. Lembrando que estou meio sem tempo pelo vestibular, por isso a incerteza dos posts.
No mais, deixo aqui um pouco do grandioso David Lean. Foram os filmes que consegui ter acesso, mas ficam as outras indicações da excelente filmografia do cineasta.

História: Ele veio de uma família muito tradicional e que o proibia de ir ao cinema quando criança. Seguiu a carreira de contador, mas aos 20 anos largou tudo e foi para o mundo do cinema. Começou servindo chá e carregando latas de negativos nos estúdios Lime Grove, em Londres. Em pouco tempo passou a montador e em 1942 chegou à co-direção do filme "Nosso Barco, Nossa Alma" em parceria com Noel Coward.
Mas ele chamou a atenção dos críticos e do público com a adaptação para o cinema das obras de Charles Dickens, "Grandes Esperanças" em 1946 e "Oliver Twist" em 1948.
Muito detalhista e apaixonado por realizar espetaculares épicos, ele criou obras inesquecíveis para os amantes do cinema a partir de "A Ponte do Rio Kwai", que levou o Oscar de melhor filme em 1957. Seus filmes conquistaram ao todo 28 prêmios Oscar e renderam muitos milhões de dólares em bilheteria. Os recordistas foram "Lawrence da Arábia" e "Dr. Jivago", ambos da década de 60.
Em 1984 ele recebeu o título de Cavaleiro do Império Britânico e morreu sem realizar um sonho que era levar para as telas o romance "Nostromo" de Joseph Conrad, a história de uma república às voltas com uma revolução.Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/David_Lean

Perfil: A marca de um dos grandes realizadores da história do cinema inglês não lhe é concedida por uma simples admiração ao cineasta. David Lean se afirmou amante de grandiosos épicos em 1957 com “A Ponte do Rio Kwai”, sendo antes um cineasta de obras mais simples, porém extraordinárias como “Grandes Esperanças” e “Desencanto”. Após seu primeiro épico, sua mania de grandiosidade e perfeccionismo detalhista só aumentaram e evoluíram a ponto de recriar realidades e cenários históricos magníficos. Obras marcadas pela fotografia e trilha sonora imponente e orquestrada tipicamente ao perfil inglês, forte e dominador. Mas Lean nunca consagrou esta postura positivamente, o que pode-se notar pelas constantes críticas aos ingleses em seus filmes sempre o mostrando interesseiro, arrogante e equivocadamente nacionalista. O choque cultural é outro aspecto observado de forma real em suas obras, em circunstâncias constrangedoras e desumanas. É impossível negar a importância de David Lean para o cinema, afinal é o criador de épicos históricos e marcantes para o gênero que hoje está em decadência. Mas Lean nem sempre agradou os críticos. A partir de “A Ponte do Rio Kwain”, a grandiosidade das obras de Lean geraram críticas vinda de François Truffat e de gente da Nouvelle Vague francesa, aborrecidos com o caráter caro de superproduções do cinema inglês, especialmente o de Lean.

Filmografia:
· 1984 Passagem para a Índia (A Passage To India)
· 1970 A Filha de Ryan (Ryan's Daughter)
· 1965 Dr. Jivago (Doctor Zhivago)
· 1965 A Maior História de Todos Os Tempos (The Greatest Story Ever Told)
· 1962 Lawrence da Arábia (Lawrence of Arabia)
· 1957 A Ponte do Rio Kwai (The Bridge On The River Kwai)
· 1955 Quando o Coração Floresce (Summertime)
· 1954 Papai é do Contra (Hobson's Choice)
· 1952 Sem Barreira no Céu (The Sound Barrier)
· 1950 O Grito da Carne (Madeleine)
· 1949 A História de uma Mulher (The Passionate Friends)
· 1948 Oliver Twist (Oliver Twist)
· 1946 Desencanto ou Breve Encontro (Brief Encounter)
· 1946 Grandes Esperanças (Great Expectations)
· 1945 Uma Mulher do Outro Mundo (Blithe Spirit)
· 1944 Esta Nobre Raça (This Happy Breed)
· 1942 Nosso Barco, Nossa Alma (In Which We Serve)

Três pérolas do Mr. Mestre David Lean:

1) Desencanto (Brief Encounter)

“Um sensível relato do que acontece quando duas pessoas, estranhas e casadas, interpretadas por Celia Johnson e Trevor Howard, acabam se conhecendo por acaso. É a história destas duas pessoas, unidas pelo destino, indefesas por causa de suas emoções, mas redimidas por sua coragem moral.”

Um filme que se destaca pela sua sinceridade e delicadeza. Em tempos que a traição era vista como algo sórdido e grotesco, David Lean consegue expressar com transparência a inocência de uma paixão. O destaque está no roteiro escrito com declarações tão pessoais dos personagens, assim como seus medos e incômodos, o que acaba também dando leves toques humorados a trama. A fotografia em preto e branco se destaca pela estação de trem, o Café onde os passageiros aguardam pelo trem e pelas ruas da cidade. O trem que insiste em apressar os encontros e separar os inocentes apaixonados é o veículo da insegurança vista nas expressões de Célia Johnson e Trevor Howard.
Temos com esta obra um David Lean sensível e criativo, sem grandiosidade técnica de épicos mas com um roteiro marcante, que pouco ousou voltar desde então para o gênero. Um romance único!

2) Lawrence da Arábia (Lawrence of Arábia)

“Em 1935, quando pilotava sua motocicleta, T.E.Lawrence (Peter O'Toole) morre em um acidente e, em seu funeral, é lembrado de várias formas. Deste momento em diante, em flashback, conhecemos a história de um tenente do Exército Inglês no Norte da África, que durante a 1ª Guerra Mundial, insatisfeito em colorir mapas, aceita uma missão como observador na atual Arábia Saudita e acaba colaborando de forma decisiva para a união das tribos árabes contra os turcos.”

Esta certamente é a grande obra do cineasta. O épico consagrado no mundo todo causou admiração inacabável e 7 estatuetas do Oscar (Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Edição, Melhor Direção de Arte - A Cores, Melhor Fotografia - A Cores, Melhor Som e Melhor Trilha Sonora) e mais 3 indicações nas categorias de Melhor Ator (Peter O'Toole), Melhor Ator Coadjuvante (Omar Sharif) e Melhor Roteiro Adaptado.
Lean usa fatos históricos, criatividade mítica e religiosa e dá a obra um aspecto político, heróico e bíblico. Diferente dos pseudo-épicos atuais, Lawrence da Arábia não é minimalista a ponto de fazer de seus personagens apenas veículo para a história. Os personagens nesta obra ganham uma imensidão complexa de atitudes e sentimentos, pondo em cena a relação do homem inglês com o deserto desconhecido. É o choque cultural que muitas vezes determina os rumos incompreendidos seguidos por Lawrence e o torna imprevisível durante algumas fases do filme, as vezes sendo até mesmo confuso por ir do “bom e herói” ao “covarde e inglês”.
Os árabes estão representados por povos de diferentes culturas em constante rivalidade, mas com um inimigo em comum, os turcos. Comum também para os ingleses. É apenas nisso que se baseia a união de ambos, mas é suficiente para que Lean crie um contexto de interesses políticos que se atrapalham ao lidar com duas nações de morais e costumes diferentes.
A trilha sonora é um registro impecável para o Cinema. A fotografia detalhista e expressiva ganha seus pontos ao filmar o deserto com planos abertos, longos e esmagadores. Um épico que só David Lean conseguiu criar.

3) Passagem para a Índia (A Passage to Índia)

“Quando duas senhoras Inglesas de ideias liberais, Mrs. Moore (Ashcroft) e Adela Quested (Davis) chegam à Índia, ficam chocadas com o brutal racismo existente por parte dos ingleses. Felizmente, o bondoso Dr. Aziz (Victor Banerjee) eleva-se à intolerância e guia as duas senhoras numa maravilhosa viagem às misteriosas grutas Marabat. Mas o passeio torna-se em pesadelo, e terrívelmente assustador. As notícias do incidente depressa se espalham por toda a Índia, acendendo o rastilho de uma bomba prestes a explodir.”

David Lean finaliza sua filmografia em grande estilo com esta obra de experiência cinematográfica belíssima. Mantêm a grandiosidade de seus cenários, trilha sonora orquestrada, planos abertos e longos, veiculado pela fotografia detalhista. Porém, talvez, aspectos nunca tão bem contextualizados antes. O choque cultural é o destaque deste exercício de expressão que cria Lean. O visual novo e olhado com desdém pelo inglês ao mesmo tempo os põe a prova de seus costumes e morais, quando são obrigados a conviver indiretamente (as vezes, diretamente) com os indianos. David Lean cria passagens complexas que exigem interpretação delicada de seus detalhes, como o encontro da senhora Moore com Aziz na mesquita e as reflexões sobre o “terrível e belo rio”. As perturbações que as inglesas sofrem nas cavernas misteriosas de Marabat também são intimistas e sensíveis, retomando a capacidade de Lean em criar situações sinceras, difíceis e humanas. Lean também discursa sobre a imposição jurídica inglesa em outras nações e as conseqüências de seus julgamentos a um ser de cultura e concepções diferentes.
E é anos após que David Lean se despede do cinema, falecendo em 1991. Obras que de uma forma ou outra interferiram na composição do Cinema. Passagem para a Índia é um exemplar disso e de todos os aspectos característicos de David Lean.

...vivendo a coleira de Giotto - Savage Grace

2008-04-19T19:10:00.021-03:00

“Barbara Daly Baekeland (Julianne Moore) é uma mulher bonita e carismática. Mas isso não é suficiente para apagar o abismo de classes existente entre ela e seu marido, Brooks (Stephen Dillane), o herdeiro da fábrica de plásticos Bakelite. Quando Tony (Eddie Redmayne), o único filho do casal, nasce, essa delicada relação desaba. Tony é visto pelo pai como um fracassado e, conforme amadurece, se aproxima da solitária mãe.”

Dirigido por Tom Kalin, um premiado roteirista, diretor e produtor que há 15 anos não trabalhava com longa-metragem (desde Swoon – Colapso do Desejo), Savage Grace (ou Pecados inocentes, título nacional) é baseado em livro homônimo de Natalie Robins e Steven M.L. Aronson e relata a história real de Barbara Daly Baekeland, assassinada em 1972 pelo filho.
A primeira parte do filme com Tony ainda bebê é de um glamour cinematográfico altíssimo, requintado à ambientações físicas e sonoras da década de 50 e narrativa típica de alta sociedade, onde até mesmo circunstâncias desagradáveis são contornadas com classe e discrição. A personalidade de Bárbara (fortemente interpretada por Julianne Moore) é quase que cuspida do nada e estamos diante de uma mulher que beira um paradoxo entre o seu meio social e sua natureza psicológica e sentimental. É nesta imprevisibilidade que a história se anuncia durante todas as épocas que se sucedem, as quais também são muito bem ambientizadas, o que dá ao filme proximidades modernas e estilísticas diferenciadas conforme o passar dos anos. O resultado é uma dinâmica de fatos em determinados tempos que vão montando a vivência de personalidades complexas e conflituosas da família Baekeland. Tal dinâmica também traz um certo incomodo ou estranhamento pela falta de planos longos e estabilidade narrativa, o que acaba por se tornar um filme de evoluções rápidas e de identidade desconhecida, algo como uma sucessão de flashes de um sonho aparentemente misterioso.
A direção de Tom Kalin e o roteiro solto e eficiente de Howard A. Rodman fazem um filme atípico e cuidadosamente levado para uma postura sem denominações melodramáticas e personagens culposos. Num contexto que aos poucos surgem o incesto, o homossexualismo e desequilíbrio emocional/mental, a humanização alcançada dos personagens dá a este cenário de relações aparentemente obscuras, aceitação e naturalidade dos fatos se resumindo a atos puramente de amor. A relação da mãe e do filho só é sustentada pela admiração e amor entre eles, mas se desequilibra aos poucos e tomam caminhos confusos conseqüentes a fragilidade emocional de ambos, agravadas constantemente pela ausência do marido e pai. Tom Kalin também se destaca por não cair nas tendências de abordagem do homoerotismo como um fator obscuro e novo, ao invés disso soube filmar com naturalidade a ponto de se passar despercebido.

Savage Grace certamente deixará a maioria do público um pouco confuso pela sua eficiência de relato, assim como diversos detalhes e sentidos que circulam a finalização marcante da história. Trata-se de uma experiência cinematográfica nova e rica, sem padrões e quase não biográfica. Julianne Moore, Eddie Redmayne e Stephen Dillane em performances deslumbrantes.

...sua droga é meu retrato - O Passado

2008-04-13T13:17:00.010-03:00

“Rímini (Gael García Bernal) é um jovem tradutor que termina o casamento de 12 anos com Sofia (Analía Couceyro), sua primeira namorada. O filme acompanha o relacionamento do protagonista não somente com a ex-mulher, mas também com a modelo Vera (Moro Anghileri) e Carmem (Ana Celentano).”

Uma co-produção Brasil/Argentina daria um resultado no mínimo familiar, assim como qualquer co-produção latina. Em O Passado, Hector Babenco se desprende da áurea social e política e faz um filme de leito puramente sentimental. E familiar por reproduzir uma das inúmeras faces que o fim de um casamento e a separação podem assumir, com prestígio narrativo extremamente humano. Talvez por isto fica fácil compreender a matéria “entusiasmada” que o Fantástico fez na estréia do filme no Brasil. Ao conferir a película percebe-se o fiasco da matéria ao divulgar o filme de forma tão “brasileira” e simplista de novela das sete, que acabou por se resumir no interesse de entrevistar (aquela entrevista típica: “O tipo de mulher que te atrai? Você é galinha...?”) Gael Garcia Bernal.

“A separação também pode ser parte de uma história de amor”, segundo Babenco. E é neste sentido que o longa discorre seu foco. Não é uma película apenas sobre mulheres obcecadas e homens cafajestes, mas sobre esquecer ou viver o passado. As fotos que Rímini prefere não levar consigo é o passado que ele pretende esquecer e a insistência de Sofia em que ele as compartilhe com ela é a vontade de não se deixar morrer enquanto um amor que foi amado, uma vida que foi vivida ao seu lado. Somos o que fomos no passado mais o que podemos ser no presente, e se esquecer dele é simplesmente matar lembranças, aprendizagens e vidas. “As pessoas não se separam, elas se abandonam” segundo Sofia, na pele de Anália Couceyro em uma performance única no Cinema assim como muitos do elenco formado pelo maduro e estrondoso Gael Garcia Bernal, Ana Celentano, Paulo Autran dentre outros.Babenco baseado no livro de Alan Pauls escreve um roteiro e direção inspiradíssimos, dinâmico em evoluir suas tensões e a história sem se resumir a um discurso piegas em mesmices. Com Ricardo Della Rosa fazendo uma Fotografia detalhada e rica, nos encontramos em um cenário frio e sentimental, humano e sexual, mágico nos caminhos trágicos que aos poucos vão se entregando para um final que resume o filme esplendidamente.

Mr. Mestre 2008 - Resultado da enquete

2008-04-06T09:27:00.004-03:00

A pretensão era anunciar o resultado da enquete no mesmo post do Mr.Mestre David Lean, como eu havia anunciado. O especial do cineasta ainda não está acabado, pois não consegui ver um número de filmes suficiente. Mas será postado ainda neste mês. A falta de atualizações do blog é devido ao fato de que estou me preparando para o vestibular. Não está sendo fácil assistir e comentar os filmes, mas sempre que conseguir tempo estarei exercendo o Cinema escrito por aqui!
A seguir estão os vencedores da enquete:

- Martin Scorsese (14 votos)
- Stanley Kubrick (13 votos)
- Francis Ford Coppola (13 votos)
- Alfred Hitchcock (12 votos)
- Luís Buñuel (12 votos)
- Sergio Leone (11 votos)
- Win Wenders (10 votos)
- William Friedklin (10 votos)
- François Truffaut (10 votos)

Grande Abraço!

...don't stop run - 28 Weeks Later

2008-03-23T16:51:00.009-03:00

“Seis meses após um poderoso vírus ter aniquilado a população britânica, a reconstrução do território começa a ser feita pelo exército norte-americano. As famílias refugiadas voltam a se instalar em suas casas, mas uma delas, sem saber, carrega um portador de uma mutação tão destruidora quanto a anterior. O caos e a epidemia voltam a se alastrar pelas ruas, obrigando o mundo a se mobilizar contra o mal.”

Fósforo aceso, 3 últimas latas de grãos-de-bico e vinho na mesa. Na mesa também estão um casal sem seus filhos, mocinha sem namorado guardando um prato de comida a sua espera, um tipinho realista e sem esperança e um casal de velhinhos sorridentes. Um caso específico de sobreviventes isolados em uma casa sem pressa de sair, pois lá fora a cambada de raivosos personificados por Danny Boyle no incrível 28 Days Later e mantidos na seqüência estão em transe, famintos e com raiva, literalmente falando. Segundos após para perceber que não se trata de um início apenas, mas da melhor cena do filme e um pouco mais. Que cena! Mas para por ai. 28 Semanas depois é o momento de reconstrução da nação britânica após ter se livrado dos contaminados e isolado uma área fora de risco. Danny Boyle não dá as caras na direção desta vez, dando lugar a Juan Carlos Fresnadillo. Não é difícil perceber a perca que foi a ausência de Boyle para o filme.
Com um orçamento pomposo e distribuidora dando total credibilidade à seqüência, Fresnadillo usa e abusa muito bem. Mas sua intenção não é a mesma que a de 28 Days Later e acaba se esquecendo que não está trabalhando com o gênero terror, apenas. O seu maior erro foi ter pressa demais para estragar tudo e trazer de volta a contaminação. Não percebemos uma vontade muito interessada em discutir moral e ética americana quanto ao tratamento dos sobreviventes, não há aqui uma organização e discussão filosófica ou sociológica entre os isolados a não ser o velho clichê de criar um grupo que protagonize as fugas, as mortes e o sentimentalismo que proporciona durante o filme. O pouco destes elementos que são considerados não conseguem ganhar intensidade suficiente para marcar a obra como crítica e metafórica. Extermínio 2 oferece todo o horror e sangue que não vemos no longa de Boyle. Quanto a forma que é feita não há muito que reclamar, afinal Fresnadillo cria situações bem originais e ousadas com direito a drama e violência familiar intenso. Em certos momentos até cansa esse draminha, que começa a soar chato e sem muito efeito no final da projeção.
A dúvida que não quer calar é se ainda há tempo para uma volta triunfosa de Danny Boyle na seqüência que vem a seguir, passados 28 meses. Já não seria tarde demais? O que é fato é que a ambientação de 28 Weeks Later foi pouco explorada e talvez seja a que daria melhores resultados. O que vem pela frente ainda é novidade, mas vai requisitar muita criatividade.

...em memória de homens e covardes

2008-03-10T19:31:00.010-03:00

Dos homens envelhecem os pintos
atrofiados em olhos azuis
Escarros e charutos perdidos
Come tralhas à palavra desluz

De recortes de imprensa
e gibis de cabeceira
ditam traços de homem assassino
de James, pai e pai de bandidos

Não teme ele temer o homem
Só medonho sem leito os gestos
Torna claro seus anos olhados
a Bob, o senhor céus dos infernos

Mal queres palavras ao quase homem
Tão certo covardes será
Jaz amado espelho anseava
Prazer o gatilho amará

Lá já serdes o assassino e o menino
De mal gosto vive o covarde
De mal morto o fora da lei

...thanks is not enough - 3:10 to Yuma

2008-03-02T10:03:00.015-03:00

“A história acompanha um rancheiro modesto e desesperado, Dan Evans (Christian Bale), que aceita a missão de escoltar o temido fora-da-lei Ben Wade (Russel Crowe) a uma cidade vizinha, onde passa o tal trem das 3h10 até Yuma, onde ele será encarcerado. O problema é que todo o bando do criminoso já está atrás de Evans, e uma pequena guerra pode começar.” (Fonte da sinopse: Omelete).

Olha eu aqui falando de um western. Leigo ao extremo no gênero, mas a História me dá noção de ambientação fora-da-lei na época da conquista do Oeste. Um crédito para minha crítica que vem a frente. Os indomáveis é infeliz. Prefiro usar 3:10 to Yuma no meu texto.
Por mais leigo que eu seja, senti na refilmagem do original de 1957 a atmosfera de corpos desprovidos de sentimentalismo fraco sob o sol do Arizona. A ânsia de sobrevivência em uma terra de ninguém. Tempos que a confiança não habitava diálogos e amigos duravam segundos. Alguém se sente familiarizado com o cinema velho oeste? 3:10 to Yuma segue confiante com esta ambientação auxiliado por direção e roteiro que merecem respeito. Afinal qualquer fuga de clichês e expressões padrões do gênero é bem-vinda. Com James Mangold (Johnny e June) na direção somos encaminhados para uma história dinamizada e sem demoras. Seqüências fiéis de tiroteio empoeirado com fundo magnífico de uma estupenda fotografia. Segundo a crítica de Érico Borgo no Omelete os deslizes infelizes da refilmagem está em algumas cenas desnecessárias de ação e medo de aproximação mais intensa entre os antagonistas. A referência está aqui para uma noção de segunda opinião, a de quem assistiu ao original. Como não é o meu caso, não estou apto a criticar se há ou não exagero em ação. Mas a distância íntima entre os antagonistas é realmente arrastada por um longo tempo, com raros momentos de quebra. O quadro muda quando o filme se aproxima do final. Uma história onde todos buscavam sobreviver, honestamente ou desonestamente, acaba se rendendo a uma questão de honra, palavra e heroísmo. Ai sim vemos as relações entre os personagens se confessarem entre si, depois de um processo tenso e imprevisível.O elenco não deixa de ser um dos principais contribuintes para o filme. Contamos aqui com um Russell Crowe incrivelmente maduro e um Christian Bale sempre expressivo. A surpresa maior é Ben Foster (Anjo de X-Men 3) que de tão inspirado acaba sendo o grande cretino odiado do Oeste.
Não é difícil o entusiasmo surgir após a exibição do filme. Se 3:10 to Yuma é ou não um western de primeira, consegue entreter com um enredo balanceado em técnica, profissionalismo e dinâmica. Recomendo!

Mr. Mestre 2008

2008-02-24T12:08:00.005-03:00

Galera cinéfila! O Eco Social está meio desatualizado, mas não acaba tão cedo. Como o Mr. Mestre foi bem recebido ano passado, este ano continuo em novo estilo. Ao final do mês de Março o primeiro a ser louvado por aqui será David Lean. Toda postagem será no fim do mês e não teremos mais a enquete mensal. A enquete é anual e começa agora! Logo abaixo está uma lista com 18 nomes (e que nomes). Os 9 mais votados serão os comentados aqui no blog. Espero que votem consciente. Cada nome está vinculado a um link para conhecer o perfil dos cineastas, caso você não conheça algum.

Enquete - Qual(is) nome(s) você quer ver no Mr. Mestre?

Stanley Kubrick

John Carpenter

Jean Luc Godard

Martin Scorsese

Werner Herzog

Alfred Hitchcock

Wes Craven

Sergio Leone

Dario Argento

Brian de Palma

Luís Buñuel

Robert Aldrich

William Friedkin

Francis Ford Coppola

Frederico Fellini

Win Wenders

François Truffaut

Takashi Mike

...agora tenho meu botão snooze - Juno

2008-02-07T17:58:00.000-02:00

"Juno MacGuff (Ellen Page) é uma adolescente que engravida de maneira inesperada de seu colega de classe Bleeker (Michael Cera). Com a ajuda de sua melhor amiga, Leah (Olivia Thirlby), e o apio de seus pais, Juno conhece um casal que está disposto a adotar seu filho, que ainda nem nasceu."

Pequena Miss Sunshine 2?
É o que provavelmente os fanáticos por comparações estão fazendo. Comparando! Está certo que semelhanças estão lá: atmosfera, cores, personagens baixinhos, fortes e excêntricos ao lado de um roteiro chapadão que deixam caídos os olhos dos personagens e logo depois brilhando quando tudo já está fudido mesmo(!?). Excelentes combinações, realmente me agradam. Juno não perde neste quesito e ainda exala aquela parada indie que tanto falam e nem mesmo sei se entendem. Posso estar enganado, mas o figurino e as citações de bandas, ícones do rock e clássicos do terror não deixam dúvidas. Resumindo, ambiente descolado de humor curto e grosso geralmente interessante e pouco engraçado. Parece perca de tempo citar essa estrutura que Juno utiliza, mas li algumas críticas que insistiram em julgar todo este “descolamento” como adolescentes excessivos que adoram forçar situações intelectuais em conflito com o cômico e bizarro da juventude e suas piadinhas bobas e sem graça. Talvez seja exatamente isso, mas não cabe a crítica desmerecer a produção por não gostar do ambiente do filme. É fácil notar que este recurso “nova geração” foi a forma mais sutil de discutir gravidez na adolescência e blablá sem cometer o velho e chato clichê: a velha história sempre do mesmo jeito. Juno está fora deste grupo e por isso ganha pontos.
Espero não causar supostas fórmulas de sucesso com o que acabo de defender. Um bom elenco (Ellen Page, Michael Cera, Olivia Thirlby, Jennifer Garner, Jason Bateman ) e roteiro ambientado é o que não falta. A falta de lições de morais é um alivio, finalmente chutaram o jeito Disney de ser. Juno se diferencia por fazer de um tema tão discutido, algo interessante para iniciar uma discussão sobre divergências de valores, costumes e maturidades imatura. O melhor é a leve e divertida trilha sonora impedindo aquele dramalhão, lágrimas e gritos finalizadores que deixam todos no cinema de olhos saltitantes.
Juno flui muito bem e ganha passaporte fácil para o Oscar com 4 indicações, incluindo Melhor Filme. Agora está mais do que claro que a modinha existe. Filmes independentes como Pequena Miss Sunshine e Juno vão surgir por um bom tempo em época de Oscar. E isso é um bom sinal!

...unindo-se a paixão - Geração Futura 11

2008-01-06T10:48:00.000-02:00

Não. Isso não é nome de nenhum filme pretensioso! Geração Futura é o que participarei durante todo o mês de Janeiro (dia 7 ao dia 2 de Fevereiro), com muita alegria e dedicação! Sendo assim, ficarei ausente durante este período do Eco Social e dos outros blogs, mas assim que retornar voltarei a todo gás com as matérias. Quem estiver curioso para entender melhor o que é o Geração Futura abaixo está um trecho do texto de um dos coordenadores do projeto. Quem se interessar poderá tentar participar dos próximos Gerações. Já foram 10 edições, esta que estarei será a décima primeira. As oficinas acontecem sempre em Janeiro e Julho!
Galera, então é isso! Grande abraço e logo estarei de volta!

Geração Futura 11

O Canal Futura recebe no dia 7 de janeiro, às 14h, em sua sede, a 11º turma do projeto Geração Futura. São 15 jovens oriundos do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Minas Gerais, Piauí, Rio Grande do Norte e Rio de Janeiro, que tiveram seus projetos selecionados. Durante 30 dias, eles participarão de uma oficina de vídeo, com workshops de roteiro, direção, produção, edição, câmera, jornalismo e pesquisa. No final do curso, a 11º turma do Geração vai produzir um vídeo sobre Democracia, a ser veiculado no Canal Futura.
Um detalhe que une os 15 selecionados é a paixão pelo audiovisual. Em época de férias, onde a maioria poderia estar aproveitando os dias de lazer, a opção escolhida foi participar de uma oficina de vídeo. Para isso, escreveram um projeto de inclusão voltado à comunidade onde vivem. Os projetos vão desde a realização de documentários educacionais, até festivais de meio ambiente, cinema e até mesmo criação de um movimento de jovens na política.
...ler mais [+]

...os vistos no ano 7 - Segunda Parte

2007-12-30T02:02:00.000-02:00

Aqui está a lista dos filmes vistos no segundo semestre deste ano. Não é de total confiança já que provavelmente estão faltando alguns filmes que me falhou a memória anotar e acabei esquecendo. Pela lista, consta que assisti a 138 filmes durante todo o ano. Um número que me agrada, aprendi e conheci diversos universos do Cinema. Espero superar melhor as barreiras do tempo no ano que quase se inicia e atingir novos aprendizados desta arte.

A seguir os filmes em negrito são revisões. Os vermelhos são os destaques do mês, que também estão nas imagens ordenadas da esquerda para a direita.

Julho

Traídos pelo Desejo, de Neil Jordan ****1/2

Réquiem para um sonho, de Darren Aronofsky *****

Cães de Aluguel, de Quentin Tarantino *****

O Pianista, de Roman Polanski ***1/2

O Inquilino, de Roman Polanski ***

Shrek 3, de Chris Miller **1/2

Harry Potter e a Ordem da Fênix, de David Yates ****

Show de Vizinha, de Luke Greenfield **1/2

Curtindo a Vida Adoidado, de John Huges ***

Réquiem para um sonho, de Darren Aronofsky *****

Fale com ela, de Pedro Almodóvar ****

Os Infiltrados, de Martin Scorsese ****

Agosto

Bug, de William Friedkin *****

Velvet Goldmine, de Tod Haynes *****

Pulp Fiction, de Quentin Tarantino ****

A Dama na Água, de M.Night Shylaman ***

Rota Mortal, de John Shiban *

O Diabo Veste Prada, de David Frankel ***1/2

Uma vida iluminada, de Liev Schreiber ***1/2

Dizem por ai, de Rob Reiner ***

E se fosse verdade, de Mark Water ***

Setembro

O Despertar de uma paixão (The Painted Veil), de John Curran ****1/2

Cinema, Aspirinas e Urubus, de Marcelo Gomes *****

O Fabuloso destino de Amélie Poulain, de Jean-Pierre Jeunet ****

Thelma e Louise, de Ridley Scott ***1/2

No ritmo do amor, de Eitan Anner ***1/2

Garden State – Hora de Voltar, de Zach Braff ****

Nicotina, de Hugo Rodriguez ***1/2

A Intérprete, de Sidney Pollack **1/2

E sua mãe também, de Alfonso Cuáron ****

Half Nelson, de Ryan Fleck ***

Outubro

Tropa de Elite, de José Padilha ****

O Sétimo Selo, de Ingmar Bergman ****

Safe, de Tod Haynes ****

Cassino Royale, de Martin Campbell ***

O Jardineiro Fiel, de Fernando Meirelles ****

Muito bem acompanhada, de Clare Kilner **1/2

O Massacre da Serra Elétrica – O inicio, de Jonathan Liebesman **

Albergue Espanhol, de Cédric Klapisch ****

Nunca é tarde para amar, de Amy Heckerling **1/2

Paris Te amo, vários diretores ***

Novembro

Último tango em Paris, de Bernardo Bertolucci *****

Ed Wood, de Tim Burton ****

A Árvore dos tamancos, de Ermanno Olmi ****

A marcha dos pingüins, de Luc Jacquet ****

A Passagem, de Marc Foster ***1/2

A Lei do desejo, de Pedro Almodóvar ****

Má educação, de Pedro Almodóvar ***

Carne Trêmula, de Pedro Almodóvar ****

Crash – Estranhos Prazeres, de David Cronenberg ***1/2

DezembroSaraband, de Ingmar Bergman *****

Os Idiotas, de Lars Von Trier *****

Babel, de Alejandro Iñárritu ****1/2

Senhores do Crime, de David Cronenberg ***1/2

Gerry, de Gus Van Sant ***1/2

Cova Rasa, de Danny Boyle ****

Piaf - La Môme, de Oliver Dahan ****

Menina de Ouro, de Clint Eastwood ***

Closer, de Mike Nichols ***1/2

Julgamento em West Point, de Harry Moses **1/2

Suspiria, de Dario Argento ****

Noites de Cabíria, de Frederico Fellini *****

O Sorriso de Mona Lisa, de Mike Newell ***1/2

Zodíaco, de David Fincher ****

Floresta do Mal, de Joe Lynch **1/2

Apocalypto, de Mel Gibson ***

História Real, de David Lych ****

Alma de Herói, de Gary Ross ***1/2

...to say hallelujah - Noites de Cabíria

2007-12-22T20:00:00.000-02:00

"...está dizendo que ele me jogou na água por 40.000 libras?"

"Um pedaço de frango espanta os maus pensamentos..."

"...eu daria meu dinheiro por amor. Mas eles roubam."

"...tenho tudo o que preciso. Até um termômetro."

Cabíria é um personagem universal e eterno. Nada melhor do que isso para tentar falar de Natal e Ano Novo, dois momentos que se resumem a um só. Assistir a excepcional Giulietta Masina neste personagem que Fellini nos apresenta é entender o que é sorrir, entristecer, rir, emocionar, sentir e sonhar com o Cinema. E o Cinema nada mais é do que o retrato ficcional da realidade de ficção. Viver a realidade desta arte é imitar a ficção da vida. Este período de final de ano não se limita a religiões dos homens e sim aos homens de religião, aqueles que vivem pela esperança de viver e viver. Por simples vontade de viver. Por imensa vontade de ganhar. Por inquieta vontade de insistir em desvendar. Por discreta vontade de viver e cultivar. O Natal é a perfeita cilada do homem. O momento em que todos se rendem a culpa e ao amor. O Ano Novo, o momento onde não há espaço para sangrar em lembranças, mas fazer delas o sangue a pulsar. Céticos ou não, todos nascem com o Natal e renascem ao ar de novo ano, ou somente ano novo.
O Blog Eco Social deseja a todos um belo espírito natalino e inovador. Seja ele como for, limitando-se a crenças ou não, deuses ou deusas, amor ou nascimento.
Noites de Cabíria não fala sobre Natal nem Ano Novo, mas é o retrato da perseverança em viver a vida rabiscada. Com cicatrizes na alma e um sorriso inesgotável, aprender a magia de chorar a vida e rir lágrimas do choro. Esta é a obra que deixo para representar este período que deveria durar o ano todo.
Feliz Natal e um próspero Ano Novo!

Fiquem abaixo com essa magnífica cena de Noites de Cabíria. Ela traduz tudo!

...vinil de novo sêmen - Crash

2007-12-15T17:40:00.000-02:00

“James Ballard (James Spader) se envolve em um terrível acidente automobilístico que acaba atingido outro carro no qual está um casal. O homem morre e a mulher fica bastante ferida, mas após o trauma e a raiva inicial ela acaba se tornado amante de James. Ao mesmo tempo passam a freqüentar um grupo que tem como fetiche a reconstituição de acidentes de carros, nos quais famosas pessoas morreram. No entanto, estas reconstituições são propositadamente feitas sem nenhuma norma de segurança, aumentando sensivelmente o risco para quem participa da simulação e criando um clima de grande excitação para a platéia. A descoberta deste estranho prazer acaba atingindo a esposa de James e as relações sexuais tendem a serem quase sempre dentro de automóveis.”

Adaptação do romance homônimo do inglês J.G. Ballard, publicado em 1973. David Cronenberg e sua mão engenhosa em expor o absurdo provocativo e repulsivo estilizado em arte consegue, talvez, fazer desta adaptação sua melhor obra. Em contrapartida, o romance de J.G. Ballard se diferencia e muito da adaptação do cineasta. O livro trabalha, estiliza e questiona o bizarro que se estabelece na metáfora aparentemente desconhecida. O foco do autor é mostrar a tecnologia e o homem interligados pelo prazer semântico sexual. Isso se torna o de menos ao decorrer da leitura quando a metáfora aos poucos se desfaz em sentidos provocativos a mente humana. A sexualidade que se cria entre os elementos, homem e tecnologia, soa quase como um ato de incesto. O homem exteriorizando prazer com sua criação, descobrindo simbioses e relações entre o meio de ferragens e novas modelagens acidentais do corpo humano, a ponto portanto de uma inversão de papéis: a tecnologia modificando e criando no homem sua nova sexualidade. J.G. Ballard vai mais além e estiliza em palavras uma nova arte, a arte da morte no colo tecnológico. A colisão entre os carros expõe um ritual de acasalamento e morte unindo homem e metal em um só ser. Esse conteúdo é muito bem trabalhado no livro. Através de descrições detalhadas e obscenas a obra se torna eficaz mesmo com sua meta bizarra e absurda, como os mais radicais gostam de definir. Se “perversão” e”bizarrice” povoa sua mente neste momento, considere-se talvez “normal” e equivocado. Ler Crash é uma experiência interessante e nova, que dispensa definição de livro para sadomasoquistas, tarados ou pervertidos, apesar de muitos apontarem os leitores dessa forma. Você não é exclusivamente o que você vê e lê. Acredito que temos a capacidade de peneirar todo tipo de conteúdo.

Não é difícil perceber que a adaptação para os cinemas da obra de Ballard no mínimo seria inviável, ainda que possível. Cronenberg se atreveu (e muito) e nos presenteou com um filme “maldito”, segundo críticos da época escandalizados pela obra ter recebido o Prêmio Especial do Júri do Festival Internacional de Cinema de Cannes. De maldito o filme não tem nada. Até mesmo perversão seria um termo exagerado para a adaptação. Não temos no filme a riqueza de detalhes nas descrições sexuais que há no livro. Os atos de acasalamento entre homem e tecnologia são descritos com precisão, apontando a ambição do autor em defender as inúmeras relações existentes entre ambos elementos, o que não vemos no filme é claro. Mesmo assim, esta é a deficiência da adaptação de Cronenberg, o foco semântico quase todo descartado. A estética da obra de Ballard está presente na ótima direção do cineasta, mas a estilização física dos atos sexuais se torna excessiva e equivocada. Sem dizer que o cineasta poupou muito em exposição física (talvez para driblar um pouco mais a censura, o que não adiantou). A cena homoerótica entre James Ballard e Vaughan deveria ser a mais cobiçada e trabalhada no filme, pois no livro representa quase que o clímax confirmado de que a tecnologia deixa no homem indefinições cegas em seu prazer sexual, mas o cineasta fez algo leve e irrelevante. Cronenberg voltou muito para a fantasia sexual e quase não usou a metáfora de Ballard. Temos no filme apenas um diálogo em que a nova sexualidade é citada, algo aproximadamente de um minuto e que no fim a exteriorização do prazer ainda se sobressai. O cineasta alterou a obra do autor tirando o conteúdo que daria compreensão a estética bizarra do filme. O que vemos é o cinema de Cronenberg. Para os que leram ao livro é comum sentir a ausência dos elementos da obra original, o livro.
Encontrei um artigo da Istoé de 1997 (leiam neste link antes de continuarem a leitura aqui) discutindo sobre Crash e a tendência artistica provocativa por meio do bizarro, polêmica, absurdos humanos e etc. É interessante o assunto abordado, mas a posição do redator é um tanto relativa e equivocada. Após a leitura percebi que trabalhos ousados a cerca do prazer estranho e desconhecido do homem são vias interessantes de discussão. Devemos respeitar na Arte as leis morais, éticas e conceituais? A opinião de Ivan Cláudio soa superficial demais para o assunto. A freqüente presença do bizarro e instigante em qualquer tipo de arte é uma saída natural do mundo. A sociedade está muito vestida a uniformes, padrões. Exibir realidade comum é fazer cópias de cópias. Exibir o provável estranho que se esconde por dentro da roupa social é mostrar mundos instrospectivos, que insistem em se omitir no meio moral e ético. O ser humano em minha humilde opinião é (heterogeneamente) bizarro e “pervertido” por natureza. Fantasias sexuais e taras estranhas estão ai para confirmar que o “provocativo” é apenas o que não se vê diretamente. Na adaptação de Crash, o termo psicopatologia aparece uma vez e já deixa marcado na obra enquanto no livro acaba se perdendo em meio de tanto sentidos. Talvez J.G. Ballard também pense como eu em relação a bizarros prazeres. Dizer que se tratam de patologia é inseguro. A camuflagem do ser humano é muito forte. Muito bem colocado no artigo da Istoé o exemplo do fotógrafo americano Robert Mapplethorpe e sua arte impensável, sexualmente suja e vulgar, beirando quase o limite bizarro do sexo. Suas obras chegaram atingir o preço de US$ 100 mil cada uma e atingiram uma popularidade relativamente grande quando foi exposta no Brasil. (Ver obras de Mapplethorpe neste link.)
Crash – Estranhos Prazeres é uma de várias obras que são taxadas de absurdas e julgadas em fins sensacionalistas de marketing para o lucro. Ao meu ver, Arte não existe. Existe a Arte dos outros, mas a Arte por si só não tem conceito. Vamos a um museu e vemos a arte dos outros, gostamos ou não. Definir Arte e dar a ela regras e leis baseadas nas nossas é equivocadamente frustrante. Sendo assim, se a Arte “bizarramente escandalizada” tem algum valor a não ser sensacionalista, não há motivos para julgá-la apenas como choque estético. Minha opinião, deixo claro!
Voltando a obra: darei 3 ½ estrelas para a adaptação pela sua direção e estética, infelizmente não posso desconsiderar a falta que a essência da obra original fez! Deixando claro que Cronenberg não acrescenta nada na obra, apenas modifica algumas coisas (inclusive o final, infelizmente). Ignorando a existência do livro, o cineasta fez o seu cinema e fez muito bem.

...sobre amigos e palha pequena - Cova Rasa

2007-12-11T19:43:00.000-02:00

“Alex (Ewan McGregor), David (Christopher Eccleston) e Juliet (Kerry Fox), que dividem um apartamento, concordam em permitir que Hugo (Keith Allen), um desconhecido, vá morar com eles, mas logo ele aparece morto, vítima de overdose. Entre seus pertences existe uma mala cheia de dinheiro, que faz com que a vida deles seja alterada de forma brutal.”

Nada como servir a mesa para os amigos e após a refeição ter a louça lavada por eles, os amigos. Nada como enterrar o morto rico e dividir sua fortuna entre eles...os amigos. Exagero meu não é mesmo? Amigo lavar a louça do jantar, dinheiro dividido...que piada! Não soa improvável apenas pra mim ou pra você, Danny Boyle também não vê razão nessa ilusão. E é nessa desconfiança que o também diretor de Trainspotting inicia sua vida cineasta. Cova Rasa não mente em identidade. O Boyle que conhecemos hoje é o de sempre. Aquele provocador cheio de birra e repulsa pelo ser humano, exibidor enojado pelos seus extremos e apreciador decadente de suas hipocrisias. É o que vemos nesse seu primeiro trabalho estrelado por Ewan McGregor, Kerry Fox, Christopher eccleston. Todos vivendo personagens de personalidades (Boyle adora mostrar isso). Talvez não teria sido um filme eficaz sem a direção dinâmica e versátil em gêneros. É incrível a facilidade que Boyle tem em divertir, estilizar dramas, perturbar, chocar, ironizar e finalizar em diversão. Dessa forma que Cova Rasa se desenvolve, desordenado em gênero e convincente em resultado. A premissa que parecia se estender em confusões clichês com alto toque de descontração e humor vai aos poucos e moderadamente se mostrando em imprevisíveis evoluções. Fazer pelo dinheiro. Matar pelo feito. Assumir o erro. Proteger o dinheiro. Nessa história não há espaço para os amigos. A grande questão do filme fica bem clara e preferivelmente, sem respostas. Até que ponto a amizade existe? Sem os amigos para confiar, o que fazer? Tê-los e não confiar, o que fazer? A cova não é funda o bastante e em certo momento ela transborda. E podem acreditar...não há espaço para os amigos. Danny Boyle começou com tudo isso e se fez um nome respeitado no Cinema. Ainda não cometeu nenhum deslize muito relevante, talvez chegou perto em Sunshine, mas mostrou que sabia o que estava fazendo. Não posso dizer o mesmo sobre Uma vida menos ordinária, pois ainda não vi. A Praia é a ferida delicada que aos poucos é apagada (também não posso falar muito, vi há tempos e nem mesmo conhecia Boyle). Sobre Cova Rasa, mais nada a falar. Não quero tirar a imprevisibilidade da obra. No mais, um ótimo começo na carreira de um cineasta que ainda vai fazer muito.

...by Alternative Reel - Top 10 Disturbing Movies

2007-12-07T20:47:00.000-02:00

Não costumo postar artigos de outros sites no blog, mas sempre tem a primeira vez. E não é por opção que faço isso, mas domingo tenho uma singela provinha de vestibular para fazer e não tive tempo para ver nenhum filme nem mesmo para escrever sobre os que vi no final de semana passado. Então está feito (ou melhor, está postado o já feito)!
A lista abaixo foi divulgada na sessão top teen do site Alternative Reel e apresenta uma relação dos 10 filmes mais perturbadores de todos os tempos. As descrições de cada filme foi feita pelo site Toscorama.
Deixo claro que estou fazendo uma repostagem fiel ao original! Não significa que concordo com todos que estão na lista nem com a ordem. Eraserhead, Laranja Mecânica e Freaks eu assino embaixo, mas acho que Freaks merecia pelo menos a 4ª posição. Há também quem sinta a falta de Cannibal Holocaust...e vários outros! Bom...discutimos mais pelos coments!
(Fonte: Toscorama; Alternative Reel).

10 - Monstros (Freaks): Em um circo de atrações bizarras, a linda trapezista Cleopatra é cortejada pelo anão Hans, mas o rejeita até descobrir que este herdou uma fortuna. Seu plano, forjado com o amante Hercules, é casar para depois envenenar o pequeno, mas logo a armação é descoberta e os diferentes se unem pela vingança. O diretor Tod Browning, um ex-contorcionista de circo, havia feito no ano anterior o clássico Drácula com Bela Lugosi.

9 - A Vingança de Jennifer (I Spit on your Grave): Sexploitation de 1978: "esta mulher cortou, mutilou e queimou 5 homens, os deixando irreconhecíveis...mas nenhum júri na América a condenaria!"
8 - El Topo: Anões sem membros e outros personagens bizarros habitam o faroeste surrealista dirigido pelo chileno Alejandro Jodorowsky em 1970. Diz a lenda que o cineasta quer fazer uma continuação estrelada por Johnny Depp e Marilyn Manson.

7 - Audition: Uma falsa audição para um filme dá início a um relacionamento doentio entre uma jovem bailarina e um viúvo. Tenso e dirigido com maestria pelo japonês Takeshi Miike em 1999, o filme inspirou Eli Roth a fazer O Albergue.

6 - Laranja Mecânica (A Clockwork Orange): Kubrick, Malcolm McDowell pré-Calígula, ultra-violência, repressão, lavagem cerebral e Beethoven. Um marco para o cinema!

5 - Aniversário Macabro (Last House on the Left): O filme de estréia de Wes Craven (que décadas mais tarde assinaria a medíocre série Pânico). Lançado em 1972, Aniversário Macabro antecipou longas como O Massacre da Serra Elétrica (1974) e Quadrilha de Sádicos, realizado pelo próprio Craven em 1977.

4 - Henry - Retrato de um Assassino (Henry - Portrait of a Serial Killer): John MacNaughton (Garotas Selvagens) dirigiu em 1986 este filme que traz um assustador Michael Rooker como o psicopata do título, inspirado no matador real Henry Lee Lucas. A cena de estupro, rodada de forma fria e em estilo semi-documental, é chocante.

3 - Salò ou os 120 Dias de Sodoma (Salò o le 120 gionate di Sodoma): Polêmico, censurado, banido e clássico, como Laranja Mecânica. Na trama, um grupo de fascistas submete jovens a 120 dias de torturas inimagináveis. O filme de Pier Paolo Pasolini é difícil de encarar, principalmente na famosa cena da coprofagia.

2 - Irreversível (Irreversible): A idéia do diretor franco-argentino Gaspar Noé era incomodar e ele consegue isso a partir do 1° segundo de projeção, com os créditos subindo ao contrário na tela. Começa então um festival de violência cujo ápice, no meio da película, é um estupro em tempo real e com a câmera fixa, que transforma o espectador em testemunha impotente (ou em um sádico voyeur).

1 - Eraserhead: Particularidade de David Lynch que levou 5 anos para ser feito, sendo lançado em 1977. Mostra o cotidiano deprimente de um homem em um mundo desolador. Neste cenário, o protagonista se torna pai de uma criança mutante. Bizarro e cultuado como os demais trabalhos de Lynch, uma experiência atípica e intrigante.

...admirável mundo tolo - Babel

2007-11-29T20:09:00.000-02:00

"Um ônibus repleto de turistas atravessa uma região montanhosa do Marrocos. Entre os viajantes estão Richard (Brad Pitt) e Susan (Cate Blanchett), um casal de americanos. Ali perto os meninos Ahmed (Said Tarchani) e Youssef (Boubker At El Caid) manejam um rifle que seu pai lhes deu para proteger a pequena criação de cabras da família. Um tiro atinge o ônibus, ferindo Susan. A partir daí o filme mostra como este fato afeta a vida de pessoas em vários pontos diferentes do mundo: nos Estados Unidos, onde Richard e Susan deixaram seus filhos aos cuidados da babá mexicana; no Japão, onde um homem (Kôji Yakusho) tenta superar a morte trágica de sua mulher e ajudar a filha surda (Rinko Kinkuchi) a aceitar a perda, enquanto a adolescente sofre a exclusão social e sexual; no México, para onde a babá (Adriana Barraza) acaba levando as crianças; e ali mesmo, no Marrocos, onde a polícia passa a procurar suspeitos de um ato terrorista."

Alejandro González-Iñárritu fecha com chave de ouro a trilogia sobre ligações trágicas/perdas que iniciou com o excepcional Amores Brutos, sucedido por 21 Gramas. Em Babel o cineasta não poupa sua linha de inovação e audácia que mostrou possuir durante as produções anteriores e cria seu ambiente de maiores dimensões, a atmosfera da globalização.
Neste quadro gigantesco, o cineasta mexicano utiliza novamente a teoria do Caos em sua forma comum e aceitável. Nada de borboletas. Pelo contrário, um fato que não só liga o mundo como também faz a sua lógica de funcionamento. A diferenciação é que dessa vez Iñárritu põe em cena um apanhado maior (bem maior) de situações, assuntos e discussões em meio de sua narrativa fria e trágica. O “tudo”, ao contrário do que dizem, não gira em torno de uma coisa só. É uma dimensão relacionada a um elemento comum em todas as histórias (a arma), mas cada situação se desenvolve com assuntos e rumos diferentes. É o que torna Babel um filme global e rico. Vemos histórias, mundos e culturas diferentes, mas a tragédia e o drama são universais e interligados. O que mostra ainda existirem “ligações” mesmo nos dias de hoje que o contato direto e corpóreo, foi trocado por fios e ondas “da comunicação a distância”.
Iñárritu já merece aplausos pela sua coragem! Termina sua trilogia temática com um filme de Q comercial, presente nos cinemas do mundo inteiro, o mais “maketinzado” e com Brad Pitt e Cate Blanchett no elenco! Mais coragem ainda é o fato de se tratar de sua obra mais “crítica” exposta em detalhes quase implícitos, ora em cena com leveza ora em cena com malandragem e esperteza. O cineasta aponta a intolerância, petulância e arrogância norte americana com outras culturas, a mania de sempre se julgarem vítimas de terrorismo (antes mesmo de saber as causas reias), a mídia que por mais globalizada que seja ainda é ineficiente (“talvez” intencionalmente) em informações fiéis gerando distorções e alongamentos dos fatos, o paradoxo de relação e tratamento entre mexicanos e americanos na fronteira, o choque de culturas (magistral as cenas das crianças norte americanas no México, totalmente diferente das mexicanas e das marroquinas), a exclusão dos surdo-mudos e os reflexos disso acompanhado de cenas intensas interpretadas pela Rinko Kinkuchi vivendo uma adolescente que anseia pelo seu primeiro ato sexual, entre outros. Tudo isso exposto com muito cuidado e delicadeza. Mas não há como negar as pontadas críticas, pois estão lá e muito bem colocadas.

Novamente vemos o ser humano perdendo o equilibro, a dimensão trágica que ele pode causar por agir apenas pelo instinto precipitado. E nisso Iñárritu é mais que experiente.
Tudo muito bem feito. Edição, Montagem, Roteiro, Fotografia, Trilha Sonora e afins. É inevitável a sensação de produção impecável, bem cuidada e trabalhada que todos sabem se tratar do tipo que atrai a Academia em tempos de Oscar. E atraiu. Das indicações, levou a estatueta por Melhor Trilha Sonora (mais que merecido por sinal). Uma trilha excepcional, de ápices e quedas sempre expressando a melancolia trágica, fria. A musicalidade fica ainda mais intensa no contexto de inúmeras cenas marcantes, outro ponto que o cineasta mexicano sempre dominou muito bem. Babel é como uma seqüência de um filme, sendo assim antes de vê-lo é requisito assistir o filme inicial. O que quero dizer é óbvio e necessário. Para compreender Babel é essencial que seus outros dois projetos sejam vistos antes. Não só para compreender a este filme, mas para entender o cinema de Iñárritu e seu estilo. Um cineasta que se comunica mais pelos gestos e pelo silêncio, uma característica que exige a reciprocidade entre os sentimentos do que constrói com os que espera criar em quem vê. Depois de feito isso ai sim há um crédito para as críticas. As cabíveis por gentileza, somente as cabíveis e racionais. Dizer, por exemplo, que se trata de um filme vazio soa vulgar e impensável. Uma prova de olhar superficial em uma obra que exige entendimento e análises. Assumo que não são todos que apreciam o cinema desse cineasta. Mas não gostar é aceitável, desde que não o julguem se baseando nisso. Filosofia “É ruim, porque não gosto”!? Repito o que disse na comunidade dos blogueiros cinéfilos: o que realmente há de errado com Babel? De forma alguma estou querendo dizer que o filme não contém erros, mas se há e se insistem em apontá-los, pois que indiquem com clareza os verdadeiros erros. Eu realmente fico extremamente irritado quando vejo algo bom, muito bom, ótimo ou excelente e alguns pretensiosos desmiolados(e ainda chamam o cineasta de pretensioso) criam um mundo de “falsos defeitos”. Enfim, aqueles absurdos que você lê ou escuta e logo após sente vontade de esmurrar ou bater a cabeça no teclado tentando esquecer que acabou de ler algo ridiculamente tosco e inexistente! Outro fato patético é a onda do momento. Se o filme está sendo considerado aos quatro cantos de obra-prima, não aparece quem se queixe do mesmo dando a ele 1 estrela. Quando o contrário, um filme esperado cair na crítica comercial e de mau gosto, a tendência são todos assistirem ao filme procurando os erros que quando não encontram, criam! E desculpas peço aos excelentíssimos críticos que acabam de vestir a carapuça! Afinal, cinema é isso não é mesmo!? Existe todo um complexo de ignorantes, acéfalos, arrogantes e indefinidos. Sorte também existir o lado oposto a isso, que é um primor para a sétima arte. (Sorte em dobro saber que meu blog é lido por esta camada mais rara, o que torna esse desabafo até desnecessário. Com raras exceções, claro).
É melhor pensarmos mais e melhor antes de dizer e escrever sobre qualquer coisa, principalmente sobre cinema.

...de início ao dentro - Os idiotas

2007-11-23T14:22:00.000-02:00

“Um grupo de pessoas se junta numa grande residência e dedicam-se a procurar o idiota que está dentro de cada um, entrando em "paranóia", babando-se e passando em público por verdadeiros deficientes mentais, como forma de se libertarem dos seus problemas e de chocarem as instituições burguesas.”

Antes de comentar sobre o filme quero avisar que a partir de hoje irei responder todos os comentários. Uma prática que nunca tive, mas percebi que é eficiente. Gera discussões e alongamentos que nem sempre se vêem nos textos. Sendo assim, espero que voltem a ler os comentários do blog pois irei respondê-los. Os idiotas é uma produção conhecida como Dogma #2, regida nos preceitos do Dogma 95. Não cabe julgar a obra avaliando seus exageros forçados de falhas, sua aparência quase de “vídeo amador”, microfones aparecendo e tudo mais que é permitido pelo Dogma 95. É desnecessário e sem valor, já que somente o sentido experimental da obra é o relevante.
O Dogma 95 foi formado por Lars von Trier, Thomas Vinterberg, Christian Levring e Søren Kragh-Jacobsen e o seu manifesto foi escrito pelos dois primeiros. O primeiro filme a receber o "certificado de aprovação" foi Festen (1998), de Vinterberg, conhecido por Dogma #1. A regras do Dogma 95 são: não filmar em estúdio, não usar adereços de cena, não gravar som separado da imagem, não colocar a câmara num suporte, filmar em cor sem utilização de iluminação especial, sem filtros ou tratamento óptico, sem ação superficial (homicídios, armas, etc), no tempo presente (sem "alienação geográfica e temporal"), filmes de gênero estão proibidos, o formato é Academia 35mm (o formato clássico, praticamente idêntico ao da TV), o realizador não pode ser creditado.
Lars Von Trier através de um cinema tecnicamente “fácil” e sem frescuras (a prova de que cinema não se faz somente com dinheiro e os tão cobiçados recursos), nos apresenta uma obra imortal e peculiar. Os idiotas é um filme cheio de símbolos e sentidos inacabados deixando em aberto diversas compreensões: particulares e coletivas. Apesar de que em vagos momentos os “idiotas” em si justifiquem a sociedade criada no choque às instituições burguesas e a classe média, fica totalmente arriscado julgar a obra apenas em preceitos sócio-políticos quando um campo de dimensões psicológicas individuais mostra ser a semente dos fatos.

A prática de se passarem por deficientes mentais em público é quase irrelevante, talvez um motivo falso criado para convencer de que o fundamento político é a base essencial do grupo. A introspectividade da obra está nos momentos em que os “idiotas” procuram o idiota que existe dentro de cada um, quando passam a agir como tais em sua particularidade, sozinhos e entre eles. O ápice da produção é mostrar nesses momentos de paranóia (como é dito no filme) a melancolia e necessidade de cada um de se libertarem da camuflagem interior e exterior. É assombroso pensar que tudo que vivemos seja na verdade, uma ficção. Somos uma ficção. A libertação, a piração, a demência buscada pelos idiotas do filme é mais do que um refugio, é a busca pela realidade interior. Quando em “paranóia”, sob comportamento de insanidade, as pessoas se sentiam vivas, reais e inocentadas, viviam a natureza do ser e a expulsão do ser social. Pode parecer romântico, mas de longe deve ser encarado dessa forma. A obra de Von Trier é absurdamente incomoda de tão compreensível que se torna. O mundo e o homem cria nossa postura, nossa casca, nossa razão. Os idiotas é um grito de libertação e gozo, julgando a idiotice ser a felicidade.
O filme é cheio de momentos significativos, cenas fortes e muito bem interpretadas por um elenco de sintonia impressionante. Há momentos que a idiotice forçada atinge limites agressivos, mantendo um verdadeiro estado de paranóia no indivíduo. São inúmeras experiências que não se pode explicar. Até mesmo para o grupo é difícil entender ou explicar o que realmente buscam, gerando discussões contraditórias entre eles e ressaltando em auto analises frustrantes.
Von Trier estava realmente inspiradíssimo quando assumiu o projeto ousado e previsivelmente cult (tão cult que chega a ser rotulado em vários sites de gênero comédia). Sem dúvida um filme a mais para o cinema experimental.
Uma experiência excepcional! (Trailer - Apenas para sentir a atmosfera do filme! O trailer lembra "vídeos caseiros" e documentário, mas de longe se percebe isso no filme em si.)

...será que tenho talento? - Ed Wood

2007-11-16T18:10:00.000-02:00

“Ed Wood é um produtor e diretor de filmes trash de terror e ficção científica, que usa da inventividade para fazer frente aos parcos recursos técnicos e orçamentários dos quais dispõe. A história se passa na década de 1950, quando Ed se envolveu com um grupo de atores desajustados, entre os quais estava Bela Lugosi, já em final de carreira.”

Ironia cinematográfica! Tim Burton faz do fracasso o sucesso ao retratar a vida de Edward Davis Wood Jr., cineasta que após a morte é conhecido por seu rótulo de pior diretor de todos os tempos. Ed Wood é mais que uma simples e tradicional biografia, é cinema de gênero e marca. Burton não deixa de lado seu estilo caricato e bizarro e faz um filme eficiente na reciprocidade de fato e cinema. A atmosfera sombria e quase noir quebrada pelo humor eficaz do cineasta, o preto e branco proposital, a iluminação e estética digna de terror clássico, a trilha sonora típica do gênero e os movimentos de câmera audaciosos, tudo em perfeita harmonia e controle.

Momento wikipédia...
Edward Davis Wood Jr. (1924-1978) foi um produtor estadunidense de clássicos de terror e ficção cientifica. Seus trabalhos se destacaram pela inventividade frente aos limitados recursos técnicos e orçamentários dos quais dispunha. Com efeitos especiais considerados um tanto quanto duvidosos no que diz respeito à qualidade, tinha cenas muitas vezes apresentadas de forma descontínua, o que evidencia que para este diretor a principal linguagem era a imagética e não a linearidade do assunto em questão, o que acabava por gerar, segundo muitos especialistas do gênero, planos peliculares sem um sequenciamento cronológico padrão e tramas que seguiam este mesmo molde. O filme de maior sucesso de Ed Wood foi filmado em 1956 sob o título original de Plan 9 From Outer Space (Plano 9 do Espaço Sideral). Muitos adoradores do cinema trash o celebram como um clássico cult.

É de se notar que Tim Burton e Ed Wood mantêm um certo paralelismo de estilos quando assistimos a esse filme. Também fica claro que há diferenças significativas entre ambos. Ed Wood é um sem talento talentoso em persistência, sem razão e bom senso em técnica e absurdamente superficial e corriqueiro em roteiro. A tragédia em pessoa não é mesmo!?...Não, que maldade! Depois dessa magnífica e deliciosa experiência que Burton nos apresenta é impossível não se sensibilizar com a vontade ingênua de Wood em fazer cinema, interpretado magistralmente por Johnny Depp. Bom, pelo menos é isso que Burton nos passa, apenas o lado de “ascendência decadente” ou vice-versa. Não vemos no filme um cineasta chorão, lamentando sua falta de talento (pelo contrário, ele se convence do contrário) ,bêbado e viciado sem nenhum motivo para viver. O Ed Wood do filme está na fase que a força de vontade supera os tombos da profissão. Isso fica claro quando um produtor após ver o filme do cineasta diz a ele: “O pior filme que já vi”. E Wood responde: “Pois o próximo será melhor (sorridente)”!
Não sou um dos melhores para falar de Tim Burton, apesar de ter visto quase todos os seus filmes nunca fui de querer notar detalhes ou avaliá-los a fundo, mas considero Ed Wood o seu melhor filme. Burton com seu roteiro dinâmico e eficaz discute também os problemas do meio cinematográfico em que todo cineasta é obrigado a patinar. Fica claro a presença maldita e infeliz dos leigos produtores que insistem em alterar finais, títulos e personagens, alterando a criação de sonho de inúmeros cineastas que antes mesmo já ralaram para conseguir levantar fundos (no caso de Ed Wood é hilário os alvos financeiros que ele vai em busca). Burton exibe, ora com humor ora não, a triste realidade dos astros que envelhecem e são esquecidos através do personagem verídico de Bela Lugosi (famoso por interpretar o Drácula, em O Conde Drácula), interpretado excepcionalmente por Martin Landau (vencedor do Oscar de Melhor Ator Coadjuvante) que mergulha em morfina e se contenta até mesmo pela publicidade em sua tragédia, que segundo ele não existe a má publicidade. No elenco se destacam absolutamente todos, Sarah Jessica Parker, Patricia Arquette, Bill Murray e cia. Com ênfase novamente em Depp, estranhamente bobo alegre e bizarro com seus joguinhos de caras e bocas, que alias funciona muito bem. Wood é um ícone singular para ser interpretado, Depp é brilhante por se adaptar tão bem a todo tipo de comportamento, fisionomias.
Ed Wood é obrigatório para todos os cinéfilos e futuros cineastas (como no meu caso, espero...). Provavelmente o considerado pior diretor de todos os tempos deve estar contente em sua cova! É inevitável sentir curiosidade em conhecer as obras do falecido fracassado.
Tim Burton fez uma obra-prima do terror e da biografia filmada. Duas horas de longo sorriso no rosto!

Mr. Mestre - Pedro Almodóvar

2007-11-11T00:14:00.000-02:00

O post do Almodóvar era para acontecer no início de Dezembro, mas estarei ocupado com PAIES, vestibulares e cia...por isso está aqui o último Mr. Mestre do ano, o vencedor da repescagem.
Ano que vem o Mr. Mestre será diferente. O alvo será o passado que o cinema jamais esqueceu, o passado dos gigantes. Os cineastas que serão homenageados são os velhos e bons italianos, franceses e cia. Nomes como Fellini, Bergman, Truffaut, Antonioni, Visconti, Lucio Fulci, Hitchcock, Win Wenders, Tod Browning e etc. Aceito sugestões!
Mas agora, apresento o cinema de Pedro Almodóvar!

(PS: Ficará confuso ler minhas críticas ao filme do cineasta, sem ler o que acho dele na parte "Perfil"...aconselho que leiam).

História: Pedro Almodóvar Caballero (Calzada de Calatrava, 24 de Setembro de 1951) é um cineasta, ator e argumentista espanhol.
Almodóvar nunca pôde estudar cinema, pois nem ele nem sua família tinham dinheiro para pagar seus estudos. Antes de dirigir filmes foi funcionário da companhia telefônica estatal, fez banda desenhada, ator de teatro avant-garde e cantor de uma banda de rock, da qual participava travestido.
Pedro Almodóvar iniciou sua atividade artística na área do teatro e do movimento vanguardista, em contato com as correntes artísticas alternativas do momento, nas quais ingressou por afinidade e com uma visão cinematográfica pouco usual. Transformado em estandarte da Movida Madrileña (movimento de renovação cultural lançado em Madri após a morte do ditador Francisco Franco), de 1974 a 1978 realizou filmes em Super 8, seu primeiro longa-metragem. Fazia a sonoplastia no momento da projeção. Sua carreira começou realmente com Pepi, Luci, Bom (1979-1980), ponto de partida definitivo do estilo Almodóvar, tanto na forma como no conteúdo. Nesse filme já aparecem todos os elementos característicos dos trabalhos seguintes (Labirinto de Paixões, 1982; Maus Hábitos, 1983; Que Eu Fiz para Merecer Isto?, 1984; Matador, 1986; A Lei do Desejo, 1986), que já estavam persentes em alguns de seus curtas-metragens: os irmãos, a mulher, as donas-de-casa, as relações conjugais turbulentas, os anúncios, a música, as fotos, as janelas, a paisagem urbana (Madri), os ambientes kitsch, a amizade entre mulheres, a homossexualidade, a transexualidade, a depravação, o absurdo ao estilo de Luis Buñuel. Em Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos (1988), rompeu um pouco com seu cinema anterior, mas de um modo coerente: abandonou o frívolo e o miserável e passou para o sofisticado e elegante, sem deixar de ser ele próprio, como continuou a demonstrar em filmes como Ata-me (1989), De Salto Alto (1991), Kika (1993), A Flor do Meu Segredo (1995) ou Carne Trêmula (1997). Almodóvar transformou-se no mais popular cineasta espanhol e com maior projeção internacional, ainda mais depois de Tudo sobre Minha Mãe (1999), que lhe deu o Oscar de melhor filme estrangeiro.
(Fonte: Wikipédia, Uol Klick Educação)

Perfil: Um cineasta feminino. Almodóvar deixa claro em suas primeiras produções a marca do feminino e mantêm ainda hoje esse padrão, com algumas raras exceções. O cineasta espanhol extravasa cores berrantes, especialmente o vermelho. Um detalhe insignificante de ser discutido, mas em Carne Trêmula chega ser incomodo ver uma de suas personagens femininas com a mesma roupa totalmente vermelha quase o filme todo. Além deste ponto peculiar, Almodóvar ainda se destaca pela sua facilidade de expor situações estranhas e bem elaboradas com naturalismo de documentário, as histórias (principalmente, nas primeiras produções) parecem absurdas ou lotadas demais para um único filme, mas o cineasta cria com maestria uma realidade que convence a quem assiste. Não há deslizes de roteiro, ele faz o que sabe com leveza e transmite satisfação ao fim de suas produções.
A mulher, as cores e mais um estoque imenso acompanha as produções de Almodóvar como (já citado acima): os irmãos, as donas-de-casa, as relações conjugais turbulentas, os anúncios, a música (dramática, profunda...destacando a sua preferência pelo Caetano Veloso), as fotos, as janelas, o cinema dentro das histórias, a paisagem urbana (Madri), os ambientes kitsch, a amizade entre mulheres, a homossexualidade, a transexualidade, a depravação, o absurdo ao estilo de Luis Buñuel. Li em alguns sites que citam movimentos de câmera extravagantes, mas não acho que seja ideal citar isso pois não senti a presença de tais movimentos nos filmes que assisti, somente em algumas exceções como em Carne Trêmula e Fale com ela. Considero os movimentos de Almodóvar até certo ponto simples, mas gosto da posição que ele estabelece quando apresenta mais de um personagem em cena.
Pedro Almodóvar é um mestre, isso não se discute. Por outro lado, não agrada a todos apesar de também não aborrecer. Confesso que seu estilo não me surpreende nem me emociona, o cinema de Almodóvar é maravilho quando consigo deixar minhas preferências de lado, o que é difícil. Eu gosto do cinema insano, imprevisível e surreal de David Lynch, a visão critíca de Danny Boyle e o cinema sujo e cinematográfico de Bertolucci, que conheci a poucos. Esse cinema me impressiona, me arrepia e deixa em mim caras e bocas. Por isso não sou a melhor pessoa para falar do talento de Almodóvar, que ao meu ver faz um cinema casual e singular (muito bem feito, talvez como ninguém), mas sinto falta do ar cinematográfico, das frases incompletas e do subtendido, das cenas mudas e estranhas, é tudo muito real no cinema de Almodóvar. Gosto da linha realista de cinema, mas quando se trata de cinema político, crítico em si.
Mas...Almodóvar vai além de minhas descrições. É um cineasta que até para os admiradores dispensa tentativas de montar um perfil, suas produções falam mais.
Nas pérolas abaixo, faltaram muitas como sempre. Dei preferência aos seus filmes mais importantes e alguns mais desconhecidos, tentei conhecer produções diferentes em estilo, ritmo, gênero. Ainda assim, faltaram muitos filmes! Os filmes estão em ordem dos que mais me agradaram, de cima para baixo.

Filmografia:

Volver (2006)
La Mala Educación (2004)
Hable con ella (2002)
Todo sobre mi madre (1999)
Carne Trémula (1997)
La flor de mi secreto (1975)
Kika (1993)
Tacones Lejanos (1991)
Átame! (1990)
Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)
La ley del deseo (1986)
Matador (1985)
¿Qué he hecho yo para merecer esto! (1984)
Entre tinieblas (1983)
Laberinto de Pasiones (1982)
Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)

Cinco pérolas do Mr. Mestre Pedro Almodóvar:

Carne Trêmula

“Entregador de pizza que desenvolveu paixão por bela jovem se vê em apuros quando entra clandestinamente no apartamento da moça e, durante discussão, acidentalmente atira em policial, que fica paralítico. O futuro dos três e do parceiro do policial voltam a se entrelaçar mais tarde.”

Ainda não sei o motivo certo por ter gostado tanto deste filme para colocá-lo como o melhor dos que vi do cineasta. Talvez a resposta mais correta seja a maturidade de direção e roteiro. Um dos filmes de Almodóvar que foge dos padrões do cineasta em relação a naturalidade e leveza. Carne Trêmula tem uma atmosfera pesada e personagens ricos psicologicamente, um enredo entrelaçado que gira em torno de sentimentos que transbordam, os sentimentos perigosos e esgotados. Almodóvar cria uma fragilidade imprevisível em seus personagens repletos de obsessão,culpa, paixão, mágoas e solidão e os leva a conseqüências impensáveis, marcando sua obra como um retrato do adulto apaixonado, o adulto infantil e imaturo.
Uma atmosfera cinematográfica sublime, aqui sim Almodóvar faz cinema com estilo. Cenas memoráveis! Destaque para a cena de sexo entre Victor e Elena, belamente filmada e elaborada, a cena do incêndio no apartamento tendo como fundo a trilha sonora de triste sentimento, o olhar eterno de Elena para o policial pouco antes de o tiro acontecer, entre outras. Como quase todos os filmes de Almodóvar, este também teve direito a seqüência final eletrizante, onde tudo ou dá muito certo ou muito errado.
Carne Trêmula representa para Almodóvar o começo de uma ousadia fora dos padrões, como Ponto Final (com muitas semelhanças a Carne Trêmula) representa o mesmo para Woody Allen. Um cinema de primeira!

A Lei do Desejo

“Pablo Quintero (Eusebio Poncela) é um cineasta e diretor de teatro. Quando o seu amante o deixa, consola-se com António (Antonio Banderas) um jovem que está louco por ele, mas é muito ciumento e obsessivo. Ao mesmo tempo, Pablo começa a escrever o seu novo filme, inspirado na vida da irmã, Tina (Cármen Maura), que troca de sexo para manter no passado caso incestuoso com o pai.”

Cinema polêmico e delicado! Inicia-se com uma cena excepcional na história do cinema de Almodóvar: um homem cedendo a descrição de uma cena erótica e fazendo tudo que é mandando, se esfrega no espelho, contra a cama e se masturba na frente dos dois espectadores que narram a cena que depois mostra ser o final do filme do cineasta Pablo.
Almodóvar é o cineasta menos hipócrita e preconceituoso quando constrói personagens homossexuais (Almodóvar é homossexual assumido, diga-se de passagem). A Lei do Desejo é um dos vários filmes que ele expressa situações envolvendo tais personagens, mas não com a pretensão de discutir o assunto nem criticar, apesar de não perder a oportunidade de alfinetar a Igreja Católica em suas produções de tal porte.
Neste filme o cineasta cria uma atmosfera deliciosa e envolvente. Personagens interessantes e existenciais, com destaque a Tina (Cármen Maura, maravilhosa como sempre...) que é uma personagem em conflito com si mesma, mas que esbanja espontaneidade, simplicidade e traumas camuflados em sonhos. A Lei do Desejo tem ritmo quase frenético, aos poucos se revela grandioso com as articulações que Almodóvar cria na história, entrelaçando todos os personagens com detalhes magníficos (as cartas se tornam protagonistas mais uma vez, como em Má Educação). As cartas são as provas dos sentimentos mal resolvidos escritos e os sentimentos de imaturidade enviados. Tudo gira em torno novamente da paixão obsessiva, ciúmes e mentiras que ganham vida (interessante a personagem do teatro, após ter o nome assinado nas cartas, ganhar vida...uma mentira ganhando vida)!
Um filme peculiar que com uma revisão se mostra mais do que um simples drama, uma produção que fala de sentimentos regidos por leis....leis regidas por sentimentos, o paradoxo entre o bom senso e o furor das emoções. Vale citar que Almodóvar com este filme reforça a estréia de Antonio Banderas para o cinema, antecedido por Matador, também de Almodóvar.

Fale com Ela

“O enfermeiro Benigno (Javier Cámara) e o jornalista Marco (o ator argentino Darío Grandinetti) estão num hospital. Marco aguarda a recuperação de sua amada, a toureira Lydia (Rosário Flores) enquanto Benigno cuida pacientemente da bailarina Alice (Leonor Watling), que está em coma. A solidão desses homens serve de ponto de partida para Almodóvar desenvolver uma trama sensível cheia de surpresas.”

Citado como o filme mais maduro e sensível de Almodóvar, Fale com Ela é uma obra feita de símbolos e valores, que ausenta o humor e a simplicidade padrão do cineasta para retratar relações dolorosas em diversas circunstâncias. Recebeu inúmeros prêmios e consagrou de vez o cineasta espanhol como um grande cineasta, com passagem mais do que requisitada, elogiada e fotografada pelos cantos de Hollywood.
Fale com Ela é o cinema mais significativo e rico de Almodóvar. Roteiro complexo e metafórico retratando os limites dos homens, a barreira capaz de fazer chorar um homem por sentir a falta da reciprocidade do falar. Almodóvar faz o feminino ser a causa do comportamento masculino, o sofrimento e a necessidade de comunicação com as mulheres em coma é a perfeita critica ao “desvalorizar”, e valorizar quando perdido. É comovente a atmosfera sensível e silenciosa que o filme estabelece com seus personagens imprevisíveis, loucos de amor e repletos de carência verbal, de atenção. Almodóvar faz um filme que chora os sentidos da produção com uma direção excepcional, com direito à peculiares cenas em um teatro de dança com o foco feminino, a expressão muda feminina e ainda um pequeno filme preto e branco em que um homem diminuído acidentalmente passa a viver dentro da vagina de sua amada, marcando a produção com alto grau de simbolismo e sentimentalismo.
Um cinema de primeira! Confesso que o ritmo do filme poderia ter sido mais valorizado, meio cansativo e as vezes circular demais, deixando para o final um escape linear da trama. É de fato um filme que exige sintonia e dedicação, afinal não é fácil se comover e interagir com uma história de Almodóvar quando não se tem expressões nem sons femininos.

Volver

“Após sua morte, uma mãe (Maura) retorna a sua casa para resolver problemas que ficaram pendentes durante sua vida. Aos poucos seu fantasma vai lentamente se tornando um conforto para as filhas (Cruz e Dueñas), assim como para a neta (Cobo).”

Apesar de ser o quarto filme do pérolas, Volver é o filme que mais despertou em mim satisfação e boas risadas. Almodóvar volta com seu estilo cômico, leve, casual e feminino após estremecer neurônios com obras mais pesadas como Carne Trêmula, Fale Com Ela e Má Educação.
Volver é um palco de saias! Elenco repleto de mulheres muito bem entrosadas, com laços familiares e pendências do passado. Mulheres lidando com situações estranhas, reagindo inusitadamente utilizando apenas o poder natural que possuem: o “dar um jeito feminino”. A personagem da belíssima Penélope Cruz dando um jeito no marido morto pela filha é uma cena tão real e bizarra que deixa qualquer um admirado com a seriedade do fato, mesmo que reagindo com risadas. A personagem de Cármen Maura (um pouco velha, mas ainda excepcional) é outra que de suas maneiras dá um jeito. O ponto marcante de Volver realmente é a harmonia entre os personagens e a história entrelaçada, os diálogos simples à la donas-de-casa e o visual deslumbrante que Almodóvar dá a sua produção, vermelha e vibrante como todas as personagens da história.
Um filme delicioso que conseguiu me envolver de tal maneira que geralmente não consigo nos filmes de Almodóvar. Riquíssimo para o cinema latino!

Má Educação

“Dois meninos, Ignacio e Enrique, conhecem o amor, o cinema e o medo num colégio religioso no início dos anos 60. O padre Manolo, diretor do colégio e seu professor de literatura, é testemunha e parte dos descobrimentos. Os três personagens voltam a se encontrar outras vezes mais, ao final dos anos 70 e 80. O reencontro marcará a vida e a morte de algum deles.”

Um filme quase auto-biográfico de Almodóvar! A idéia surgiu quando o cineasta filmava A Lei do Desejo, inclusive a cena deste em que a transexual Tina entra na igreja e reencontra um suposto padre molestador inspirou a cena semelhante em Má educação, em que Ignácio faz o mesmo.
Má Educação quando esperado como um filme altamente crítico e chocante é frustração na certa. O próprio cineasta disse que não tinha pretensões em fazer um filme voltado a criticar a Igreja Católica, mas que a presença dos padres molestadores é um fato que não poderia ficar ausente (o que acaba causando a crítica só de estar presente na trama). O filme é mais uma vez o retrato de relações perturbadas entre os personagens. Um jogo de interesses intenso, impiedade humana e fragilidades pessoais moldam a trama.
É interessante o quebra-cabeças ora montado ora bagunçado que Almodóvar cria propositalmente, dando um glamour técnico e original a obra. Mas realmente não há muita grandiosidade na obra além das situações entrelaçadas e os personagens mais imprevisíveis, interpretações, trilha sonora e montagem também se destacam.
O que mais me incomodou na obra foi a falta de cinema! Enquadramentos sem graça, cenas filmadas sem estilo e pouco aproveitadas. É extremamente vazia a cena da piscina, onde a câmera focaliza a bunda do personagem de Gael Garcia Bernal de maneira crua, amadora.
Um cinema almadovariano que pode ser deixado para trás a principio. Principalmente para os que ainda não conhecem o cineasta, apesar de ser uma história bem contada e até certo ponto original.

...os vistos no ano 7 - Primeira parte!

2007-11-03T18:52:00.000-02:00

O ano está praticamente no fim, sendo assim apresento abaixo a lista dos filmes vistos neste ano, que no meu caso foi bem fraco...
Essa é a primeira parte, onde apresento os filmes do primeiro semestre. A segunda parte postarei no final de Dezembro.
Minha paixão pelo cinema sempre existiu, mas esse gosto e prazer têm molduras em constantes mudanças. Esse ano é notável que cresci muito em conhecimento e compreensão desta arte. O primeiro semestre deste ano confesso que é extremamente irregular. Foi um período de muita correria e dedicação no colégio, talvez seja o que justifique meus deslizes nas vezes que deixei de ver grandes filmes no cinema, como podem observar os indicados ao Oscar estão quase ausentes. Esse ano em geral foi voltado para aqueles filmes que todo mundo viu, os clássicos ou quase clássicos, que eu ainda não tinha visto como Laranja Mecância, O Iluminado, Amores Brutos...
Fiquem abaixo então com a fraca filmografia de início de ano. O segundo semestre está muito mais interessante e com mais filmes eu adianto...

Legenda:

Em negrito - revisões

Em vermelho e fotos - destaques do mês

Janeiro

Vanillia Sky, Cameron Crowe ****

O Ilusionista, Neil Burger ****

Santos e Soldados, Ryan Little ***

Viagem Maldita, Alexandre Aja ****

O Pagamento, John Woo **

Efeito Borboleta 2, John R. Leonetti *

Cidade dos Anjos, Brad Silberling **

Um lugar chamado Nothing Hills, Roger Michell ***

Reino de Fogo, Rob Bowman **

Hitch, Andy Tennant ***

Guardiões da Noite, Timur Bekmambetov ***

Fevereiro

Old Boy, Chan-wook Park *****

Sobre Meninos e Lobos, Clint Eastwood ****

Os Sonhadores, Bernardo Bertolucci *****

Uma noite no museu, Shawn Levy **

O Casamento do meu melhor amigo, P.J. Hogan ****

Recém – Casados, Shawn Levy ***

O Pacto, Renny Harlin **

Olga, Jayme Monjardim ****

Rejeitados pelo diabo, Rob Zombie ***

Edukators, Hans Weingartner ***

Por um sentido na vida, Miguel Arteta ***

Antes que termine o dia, Gil Junger ***

Casshern, Kazuaki Kiriya ***

Março

Ponto Final, Woody Allen ****

Extermínio, Danny Boyle *****

Encontro Marcado, Martin Brest ****

Fora de Rumo, Mikael Håfström **

Silent Hills, Christophe Gans ***

Ponto Final, Woody Allen ****

Borat, Larry Charles ***

Laurel Canyon – Rua das Ilusões, Lisa Cholodenko ****

Elefante, Gus Van Sant ****

Abril

Kill Bill, Quentin Tarantino *****

Freaks, Tod Browning *****

Cidade dos Sonhos, David Lynch *****

O Lenhador, Nicole Kassell ****

Imagine eu e você, Ol Parker ***

Uma linda mulher, Garry Marshall ****

Matadores de Aluguel, Lee Daniels ***

Forças do Destino, Bronwen Hughes **

Adrenalina, Mark Neveldine e Brian Taylor *

Maio

Amores Brutos, Alejandro González Iñárritu *****

Sunshine - Alerta Solar, Danny Boyle ****

Café da Manha em Plutão, Neil Jordan *****

Império dos Lobos, Chris Nahon ***

A Fonte da Vida, Darren Aronofsky ****

Todos dizem eu te amo, Woody Allen ***

Poder além da vida, Victor Salva ***

Homem-Aranha 3, Sam Raimi **1/2

Deu a louca na chapeuzinho, Cory Edwards, Todd Edwards e Tony Leech *

Pequena Miss Sunshine, Jonathan Dayton e Valerie Faris ****

Junho

Laranja Mecânica, Stanley Kubrick *****

Eraserhead, David Lynch *****

Os Infiltrados, Martin Scorsese *****

300, Zack Snyder ***

O Iluminado, Stanley Kubrick ****

Casa de Areia e Névoa, Vadim Perelman ***

Veludo Azul, David Lynch ****

Chicago, Rob Marshall ****

Volver, Pedro Almodóvar ****

Ken Park, Larry Clark ***

Filhos da Esperança, Alfonso Cuarón *****

O ano em que meus pais sairam de férias, Cao Hamburger ***

Vocês Sabiam? Ed.07

2007-10-28T11:46:00.000-02:00

É de se notar que o Eco Social está meio desorganizado em relação a datas, mas o erro foi meu (obviamente, já que o blog não tem vida própria!). Esqueci da edição do Vocês Sabiam antes do Mr. Mestre do Bertolucci, mas cá estou eu corrigindo o erro! Até mesmo porquê estou ocupado vendo alguns filmes do Almodóvar para o próximo mr. mestre, não vi nada além interessante para postar. Abraço! (PS: Dêem uma olhada no trailer de REC logo abaixo, é realmente interessante) .

1??? – Brinquedo assassino de volta em remake!

David Kirschner, produtor dos cinco filmes da série Chucky, confirmou que o primeiro longa Brinquedo Assassino, de 1988, será refilmado e ainda garante que o boneco será animatrônico, como nos filmes anteriores.
Brinquedo Assassino, estrelado por Catherine Hicks, Chris Sarandon e Alex Vincent, arrecadou US$ 33 milhões nos Estados Unidos e um remake bem divulgado poderá ultrapassar essa margem, talvez ai esteja o interesse na volta do ruivinho assassino.
Segundo Kirschner, a refilmagem será mais assustadora e radical que a versão original, dirigido por Tom Holland. O roteiro terá alguns poucos acrescento incluindo destaque para o passado de Charles Lee Ray, serial killer que depois de morto em um tiroteio com a polícia, utiliza seus conhecimentos de vodu e transfere sua alma para um boneco ruivo. A notícia deve animar os mais sedentos pelo terror bizarro quase trash e provavelmente ressuscitar o medo infantil de nós cinéfilos que na infância sempre temeu o famoso boneco assassino. Mas remake é remake....perca de tempo que geralmente não dá certo!
(Fonte: CineClick)

2??? – Scorsese e DiCaprio em próximo projeto!

Após trabalharem juntos em Gangues de Nova York (2001), O Aviador (2004) e Os Infiltrados (2006) a dupla dinâmica Scorsese e DiCaprio estarão em parceria novamente no próximo projeto do cineasta que será a adaptação do livro Shutter Island (obra do escritor de Sobre Meninos e Lobos e Medo da Verdade).
O enredo é ambientado em 1954, e conta a história do oficial federal Teddy Daniels, que será interpretado por DiCaprio. Ele investiga o desaparecimento de uma assassina que escapou de um hospital psiquiátrico. A fugitiva pode estar escondida na remota Shutter Island, ilha que dá nome ao filme. As filmagens começam em março de 2008, mas ainda não há previsão de estréia.
Este tipo de parceria, cineasta e ator, é muito comum nos “freqüentadores” de Hollywood. Tim Burton e Johnny Depp é o exemplo mais comum, alguém se lembra de um mais persistente?! Mas a questão não é essa. Esse tipo de parceria é interessante até que ponto? Os atores passam a ser criados a modelo do estilo do cineasta. Johnny Depp se adequou ao jeito Burton de se apresentar. Se o fato é relevante ou não é uma dúvida, mas as vezes se torna um desgaste.
(Fonte: CineClick)

3??? – Terror espanhol inova na criação de trailer!

Para divulgar o lançamento do terror [Rec], a produtora espanhola Filmax preparou um trailer que não mostra uma cena sequer do filme. Ao invés de antecipar os sustos que a platéia poderá levar, a prévia mostra apenas a reação do público diante de algumas cenas de maior tensão. Segundo o site ShockTillYouDrop.com, as imagens foram captadas com uma câmera de "visão noturna" durante a exibição do longa no Festival de Sitges, cidade próxima de Barcelona.
Uma inovação de mestre, o “trailer” deixa qualquer um ansioso pelo filme. Não me lembro a última vez que fui ao cinema e vi tanta gente se assustar dessa forma, será a volta do gênero terror dessa vez!? (no quesito “susto”...) O trailer de tão assustador é até mesmo hilário!
Em [Rec], uma repórter de TV e seu cinegrafista seguem um grupo de bombeiros da cidade. Depois que recebem um chamado de uma senhora que diz estar presa dentro de casa, eles chegam ao prédio dela e escutam gritos apavorantes - que dão início um longo pesadelo e a uma reportagem nunca vista antes.
[Rec] foi dirigido por Jaume Balagueró (A Sétima Vítima) e Paco Plaza. O filme foi exibido pela primeira vez no Festival de Veneza, em setembro, onde foi comprado pela Screen Gems, que irá fazer um remake em Hollywood. A nova versão se chamará Quarantine e começa a ser rodada em breve, em Los Angeles.
A estréia do original acontece em novembro na Espanha. Ainda não há previsão para o lançamento no Brasil.
(Fonte: Cinema em Cena)

4??? – Roteiristas brasileiros lança site oficial!

Foi lançado o site oficial da associação Autores de Cinema, que reúne entre seus sócios 25 dos principais roteiristas cinematográficos brasileiros.Criada em 2006, a iniciativa da associação tem como objetivo profissionalizar a atividade, divulgar e valorizar os trabalhos da entidade e dos roteiristas do Brasil. Di Moretti (Latitude Zero) ocupa a presidência da associação, tendo como tesoureiro Bráulio Mantovani (Tropa de Elite). Outros sócios são Jorge Durán (Proibido Proibir), Claudio Yosida (De Passagem), Luiz Bolognesi (Bicho de Sete Cabeças), entre outros.O site da Autores de Cinema traz notícias, dicas, blog e download de alguns roteiros produzidos por seus sócios, como os de Cidade de Deus, Cabra Cega e Latitude Zero.
Uma proposta bacana para quem escreve roteiros de divulgação e valorização!
(Fonte: CineClick)

...construindo identidades - Albergue Espanhol

2007-10-21T13:55:00.000-02:00

“Xavier (Romain Duris) tem 25 anos e está terminando o curso de Economia. Um amigo de seu pai lhe oferece um emprego no Ministério da Fazenda, mas para assumir o posto o rapaz precisa saber a língua espanhola. Ele decide acabar seus estudos em Barcelona, para aprender a língua. Para isso vai ter que deixar Martine (Audrey Tatou), sua namorada há quatro anos. Ao chegar em Barcelona Xavier procura um apartamento no centro da cidade e acha um em que deve morar com sete estudantes, todos estrangeiros. Com eles Xavier vai descobrir o que é viver em diferenças e se formar com elas.”

Albergue espanhol (filme que tem como sequência Bonecas Russas, o qual ainda não vi) é o típico filme simples e cheio de detalhes significativos, amplas visões e sentimentos podem surgir ou apenas ser mais um filme divertidinho para ser ver com a galera. O segundo caso é difícil de se imaginar acontecer, pois o filme é realmente de estremecer nostalgia até mesmo em quem nunca presenciou as situações da trama.
Viver fora de casa, viver distante da tal cidade natal onde estão as raízes e o sangue nacionalista, nunca é tarefa fácil! Não é difícil apenas para quem está fora do país convivendo com estrangeiros de todas as partes do mundo como vemos no filme, até mesmo em seu próprio país com pessoas que apesar de usarem o mesmo idioma, são diferentes em alguns costumes e culturas. Ambas são situações que naturalmente enfrentam o choque inicial de língua, maneiras, ideologias, preconceitos, costumes diferentes.
Em Albergue espanhol essas situações ficam mais do que claras, mas não para por ai. O filme se revela brilhante ao retratar como o ser humano é mutável e renovador, identidades são criações simbólicas e equivocadas. Ao conviver com pessoas aparentemente de outro mundo, como se estivessem no DNA as diferenças de nacionalidades, contrastes são transformados em complementos. Cada um é o que vive: “Eu sou tudo, eu sou francês, italiano, espanhol, inglês...eu sou tudo, como uma bagunça”. Nos dividir em raças e nacionalidades são formas de separação, individualização e restrição. É claro que há povos de costumes e culturas diferentes, mas é um fato que deveria ser apenas compreendido e respeitado e não ser uma premissa para acabar com relações entre nós mesmos. A natureza do ser humano é igual por natureza e isso não é pleonasmo. Nós somos singulares em essência por isso sempre há espaço para se tornar o que o outro é, talvez sejamos tudo e só precisamos descobrir isso.
Albergue espanhol, de Cédric Klapisch, não é um filme pretensioso no humor ou na sua própria venda comercial, pois não possui os toques de besteirol hollywoodiano com garotos nus segurando tortas de maça no telhado e derivados de exagero jovial, fictício diga se de passagem. O filme é simples, leve e eficaz. Nada de exageros, situações comuns e personagens existenciais. Tudo funcionando, e no final (lindo por sinal) uma linda mensagem e aprendizagem é passada. Quem já passou ou ainda passa por situações semelhantes, vivendo em albergues, repúblicas ou como queiram chamar, certamente sentirá uma nostalgia queimar em sentimentos. De fato, identidades vamos criando pelos nossos caminhos...em um lugar onde éramos estrangeiros, quando partimos uma parte que não existia e que passou existir é como se fosse deixada para trás, mas que pra sempre ficará marcada no ser, na nossa identidade de ser.

...a vida em outro ritmo - Spun

2007-10-13T23:58:00.000-03:00

Não é tarefa fácil fazer um filme junkie. Cortes, montagens e edições ganham uma dimensão gigantesca neste tipo de película. O ritmo frenético e delirante é ingrediente indispensável. Trilha sonora é livre já que aqui o “nada a ver” é um estranho aceitável. Então o que faz de um junkie bom ou ruim? Que ponto deve ser observado em filmes que falam sobre drogas se até na Tv Xuxa os baixinhos já sabem os riscos e conseqüências dos tais “cristais”!?
Resp a - Roteiro! (não deixa de ser convincente)
Resp b - Interpretações (um ponto indispensável)
Resp c – etc... – (fala sério...)

Se alguém faz questão de responder vai em frente, mas acho que o resultado geral é o que define um bom filme junkie ou um comum/normal/ruim filme junkie! A somática de tudo! Montagem, edição, roteiro, interpretações e principalmente, o fluir do enredo!
Trainspotting, Diário de um adolescente, Requiem para um sonho e Spun são filmes que se resumem em uma coisa só (drogas), mas se estendem em dimensões e focos diferentes. São alguns exemplos de junkies que deram certo, pois são convincentes. Mas quais nesta história não são?
Resp a - Aos Treze (talvez...)
Resp b - Burguesinha em O Clone (se tratando de uma questão “global” acaba surpreendendo, mas que viagem a minha....descartem! )
Resp c - Todos (!?)

Façam suas análises!
Pra mim é indispensável a dimensão “zen remix” neste tipo de filme, ângulos estranhos, torcidos e puxados, a maneira que a história é retratada, por mais clichê e comum que seja.
Spun – Sem limites (“Sem limites” - incrível a originalidade e qualidade que nossos títulos nacionais atingem, mesmo subtítulo dado a Trainspotting!) é colorido ao extremo o que já diferencia de muitos outros que usam e abusam de fotografia seca, deprimente e cinzenta. Ângulos estranhos e retorcidos estão muito bem neste filme e estabelecem um paralelo fantástico com as atuações de John Leguizamo (extraordinário), Brittany Murphy (lindamente profissional), Mena Suvari (um lixo cinematográfico). Cenas marcantes é outro ponto forte pelo comando na direção do desconhecido Jonas Åkerlund. Sua estréia mostra que tem originalidade em seu estilo, impossível não ressaltar a cena de delírio de um dos viciados em que outro personagem se transporta para um plano em que se apresenta como um deputado em frente a bandeira norte-americana e começa a dizer o quão bem devemos tratar a xoxota (a intenção é linda, um político falando asneiras em frente a bandeira norte americana, algo comum não!?). Uma cena e tanto entre várias, mas nada que se compare ao personagem de Ewan McGregor entrando e saindo da privada em Trainspotting, por exemplo. Spun não se resume em clichês, o que é mais um ponto positivo. Dessa vez não tem mãe desesperada e cia., quase todos estão na mesma e não há espaço para grandes tragédias e choros, mas finais toscos dignos de pirados chapados. Um filme que não foi feito para dar impacto e sim para fazer diversão, entretenimento e história em um mundo em que se vivem em outro ritmo. Funciona muito bem, mas não é um filme indispensável. Para quem ama o cinema junkie, é uma ótima opção!
Falando em cinema junkie, alguém ai conhece junkies do cinema mexicano, oriental, francês...? Não conheço nenhum...seria interessante visões diferentes deste gênero alucinante!

Mr. Mestre - Bernardo Bertolucci

2007-10-08T09:54:00.000-03:00

A temporada de ausência acabou desta vez!
Odeio ficar muito tempo sem postar, mas foi preciso.
O Mr. Mestre de hoje deveria ser Pedro Almodóvar não é mesmo? Não, não é. Vou começar pelo segundo colocado da repescagem, o próximo é Almodóvar.
Infelizmente não pude ver a quantidade de obras de Bertolucci que desejava. Mas o que vi já beira o suficiente para conhecê-lo um pouco. Suas obras mais antigas e políticas é de difícil acesso, não tenho ficha na única locadora da cidade que tem algumas dessas obras, sou de menor, necessita dos pais para fazer a ficha...enfim, um efeito dominó!
Mas...vamos ao que interessa!
Bertolucci me surpreendeu, um cineasta inteligente e manobrista com um perfil incomparável. Estamos diante a um diretor que deveria ser mais comentado e admirado. Mais um injustiçado...

História: Bertolucci nasceu na cidade de Palma, Itália, em 1940. Antes de fazer cinema, estudou na Universidade de Roma e ganhou fama como poeta. Em 61, trabalhou como assistente de direção no filme "Accattone", de Pier Paolo Pasolini. Em 62, dirigiu "La commare secca", mas obteve reconhecimento com seu segundo filme, "Antes da revolução", em que já demonstrava seu estilo político e comprometido com seu tempo. Em 67, escreveu o roteiro de "Era uma vez no oeste", o melhor filme de Sérgio Leone. Já nos Estados Unidos, dirigiu "O conformista" (1970), que chegou a ser nomeado para o Oscar de melhor roteiro. Em 72, sua primeira obra-prima, "O último tango em Paris", escandalizou meio mundo e deu a Bertolucci mais uma chance de concorrer ao Oscar, desta vez como diretor. Depois de fazer "1900", um filme monumental e muito ambicioso, Bertolucci partiu para o drama intimista em "La Luna".
Em 87, consagrou-se com "O último imperador", que recebeu nove Oscars, incluindo os de melhor filme e melhor diretor. Em "O céu que nos protege", nova obra-prima, rodado em 1990, em pleno deserto do Sahara, Bertolucci extraiu interpretações fantásticas de Debra Winger e John Malkovich. Seguiram-se "O pequeno buda" e "Beleza roubada".

Perfil: Um amante da exposição política e dos segredos sexuais obscuros dos humanos, é um cineasta que em resumo possui ousadia. Bertolucci tem uma visão atípica das pessoas e não se culpa em usar o lado estranho e imprevisível em seus personagens, o que marca em suas obras dimensões imprevisíveis e originais. Movimentos de câmara sofisticados é um dos seus pontos característicos, além de possuir um enorme talento em fotografia e cenários, utilizando e abusando de espelhos e sombras (alguém ai concorda que elevadores o atrai?!).
Bertolucci não é do tipo que cobre pêlos e derivados íntimos, seu estilo é o da exposição nua e crua. Último tango em Paris, Os Sonhadores, L aluna entre outros são os exemplos mais marcantes. Eva Green em Os Sonhadores é mostrada em todos os ângulos e com detalhes, nua! O mesmo com Michael Pitt. Essa característica não agrada a todos, mas é inegável que Bertolucci sabe o que faz, e faz muito bem!

Filmografia de Bernardo Bertolucci:

The Dreamers (2003)

Ten Minutes Older: The Cello (2002)

Paradiso e Inferno (1999)

12 Registi per 12 Città (1998) - Documentário

Assédio (L'Assedio, 1998)

Beleza Roubada (Stealing Beauty, 1996)

O Pequeno Buda (Little Buddha, 1993)

O Céu que nos Protege (The Sheltering Sky, 1990)

O Último Imperador (The Last Emperor, 1987)

L'Addio a Enrico Berlinguer (1984)

A Tragédia de um Homem Ridículo (Tragedy of a Ridiculous Man, 1981)

La Luna (1979)

1900 (Nineteen Hundred, 1976)

O Último Tango em Paris (Last Tango in Paris, 1972)

La Salute è Malata o I poveri Morirono Prima (1971)

A Estratégia da Aranha (La Strategia del Ragno, 1970)

O Conformista (The Conformist, 1970)

Amore e Rabbia (1969)

Partner (1968)

La Via del Petrolio (1967)

Il Canale (1966)

Antes da Revolução (Before the Revolution, 1964)

La Commare Secca (1962)

Duas pérolas do Mr. Mestre Bernardo Bertolucci:

Último tango em Paris

Cinema!
Bertolucci faz cinema nesta obra! Tudo fala e se cala por si só, pelo cinema em seu auto glamour e identidade. Tentar expressar essa obra obscura e poeticamente suja é o mesmo que descascar laranjas com colher, inapropriado e cansativo. Último tango em Paris tem linguagem e expressão de Bertolucci, constantemente se complementando e duelando entre si. Uma cena negando outra, um choro e logo após um sorriso de prazer. Dessa forma a narrativa flui em diversos parâmetros, sejam eles racionais e emocionais, mas primordialmente parâmetros humanos.
E que se deixe claro o bizarro no termo humano. Último tango em Paris não foge ao padrão bertolucciano em exibir personagens repletos de esquisitices, imprevisíveis e perigosamente misteriosos. Também é de se destacar as famosas cenas que se tornam imortais, o que alimenta o cinema do passado e que persisti em surgir no presente. Bertolucci sabe como fazer e sustentá-las. Nesta obra é impossível negar a grandiosidade estética e vulgar da cena da manteiga, da seqüência logo em seguida que Paul manda Jeanne cortar as duas unhas da mão, do momento à la The Dreamers em que Jeanne simula vôo no apartamento velho e a última cena, a do tango no salão! São cenas mais do que expressivas, são sentimentos capturados em ângulos se é que isso é possível!
Último tango em Paris é uma obra sobre o amor suprindo a solidão e o sexo suprindo a solidão do amor. E como diz a letra do magnífico Damien Rice: “...This is love, this is porn”. O amor é pornografia! A pornografia que retira desabafos de podridão, sentimentos velhos e inexpressivos.
Um filme belíssimo, uma poesia do inferno sexual e da arte da solidão! Um Bertolucci com estilo!

Os Sonhadores

Nesta obra o lado político e sexual típicos de Bertolucci não deixam de aparecer e molduram uma trama de descobertas, fantasias e postura jovial diante a política. Apesar de muitos críticos julgarem o filme como um vazio pornográfico com pano de fundo político fraco, esta obra é um auge de Bertolucci por ainda mostrar competência e eficácia em sua proposta. Os Sonhadores é um filme sobre jovens! A política, a influência do cinema, os sonhos e as fantasia sexuais são pontos explorados e muito bem anexados ao assunto. Mas antes de tudo, Bertolucci mais uma vez cria glamour cinematográfico o que já deve ser apreciado por si só. Personagens mais uma vez com suas esquisitices e manias, extremamente imprevisíveis.
Um filme extremamente maduro e sensualmente roteirizado, impossível não sentir a nostalgia e estranheza que Bertolucci causa em seus filmes. Para os cinéfilos, é um filme e tanto por se tratar de uma grande homenagem ao cinema com várias passagens de grandes filmes e uma trilha sonora digna da história do cinema.
Bertolucci nos mostra uma paisagem onde tudo é válido. Da mesma forma em Último tango em Paris, o cineasta faz o sujo virar arte e o absurdo em fantástico! Uma obra deliciosa!

...um mundo de homens - Queer as folk

2007-09-30T19:45:00.000-03:00

Esta série é resultado de uma árdua busca por algo que me “distraísse” enquanto a quarta temporada de Lost não começa. Queria algo mais leve e diferente, logo pensei em The O.C mas acho que é leve e pop demais. A busca foi ótima, descobri que há coisas e mais coisas interessantes e que poucos conhecem, a maioria delas acaba por falta de público, audiência! Dentre várias opções encontrei Queer As Folk pensando que se tratava de um seriado antigo sobre estrelas do rock (eu ainda vou descobrir o nome deste seriado!), mas o engano saiu melhor que a encomenda! Queer As Folk é um seriado especial e marcante que mostra as relações, as carreiras, os amores e as ambições de um grupo de homens homossexuais e lésbicas que residem em Pittsburgh.
Após assistir a primeira temporada posso dizer que é um dos raros seriados que conseguem manter qualidade e objetividade em todos os episódios, sem exceções. Também é um dos poucos que apresenta um episódio piloto tão fiel e abrangente ao restante da temporada. Pornografia, comédia e drama. Tudo em grande intensidade no piloto deixando claro o estilo, a marca da série. Mas a qualidade tem os seus pesares, muito hétero desiste de primeira logo apontando o dedo e soltando piadinhas com direito a vocabulário homofóbico e tudo mais. Uma atitude precipitada e preconceituosa, pois o conteúdo pornográfico é justificável e comum, afinal de contas se fosse em uma série hétero além de comum seria até “clichê” se é que me entendem. Claro que falando assim é fácil, mas a resistência humana é imensa diante essa realidade.

Criado por Russell T. Davies e adaptado para versão americana por Ron Cowen e Daniel Lipman, Queer as Folk é surpreendentemente roteirizado e digirido, nada de clichês ou draminhas hollywoodianos, é excepcional em técnica e crítica. As dificuldades, conquistas e preconceitos da sociedade homossexual são brilhantemente retratadas e discutidas. O conteúdo crítico e realista é de deixar qualquer um chocado e enojado de saber que são situações que realmente existem e são ignoradas. Nesta primeira temporada são vários focos que são explorados. Grupos de “recuperação” a fim de tornar homossexuais em héteros, alegando buscar serem pessoas como Deus gostam que sejam, pessoas boas, corretas, enfim, héteros (resumindo mais ainda, lavagem cerebral homofóbica e desumana); tratamento desigual recebido em lugares públicos (até mesmo em hospital); escola ignorando aceitar aliança gay-hétero utilizando de analogias ao extremo da homofobia; dentre vários outros.
Queer as folk é vitorioso por mostrar dois mundos que se negam a se aceitar, não se trata do mundo dos certos e do mundo dos errados já que a série retrata humanos, que como todos os outros são primeiramente, imperfeitos. Não pensem que estão diante a um seriado de perfeitinhos porém rejeitados. São todos humanos! São vencedores e perdedores, amam e odeiam, gritam e choram, erram e acertam. É isto que Queer as folk tenta, mostrar todos os lados da história, todas as faces e possibilidades. É uma tentativa gritante contra a homofobia, contra um preconceito absurdo que destrói a essência humana de ambas partes, dos que cometem e dos que sofrem. Queer as folk é um seriado de gente, de libertação e gozo a vida, de conquistas e pesares que mostra pessoas normais, que como todos também tem o seu dia-a-dia, o seu pior defeito, sua música preferida, seu sonho de consumo, suas ambições, suas manias e seu desejo de viver e amar. Mas é um mundo reprimido, excluído e atacado. Um mundo onde a tolerância se torna uma razão covarde e a luta por direitos e justiça uma razão autodestrutiva
Queer as Folk é divertido, emocionante, sério e criativo. Elenco de primeira em especial Sharon Gless (mãe de Michael, hilária e contagiante), Thea Gill, Randy Harrison e vários outros.
Um feito de homens, um mundo de homens...que realmente funcionou!

...pé na estrada - À La Road Movies

2007-09-22T20:05:00.000-03:00

Opa...
Ausente por um tempo, mas aqui estou!
Certamente devem lembrar daquele especial de musicais que postei aqui no blog, pois irei repetir a dose e dessa vez o alvo é Road Movies!
Filmes de estrada é cinema sem fronteiras. Um exercício delicioso e inusitado que a cada conferida se revela em um mundo novo e sonhador. O nome do gênero também é o título do filme Road Movie de 1974, dirigido por Joseph Strick. Exemplos famosos deste gênero são Central do Brasil, Easy Rider, Just Like the Son, Natural Born Killers, Rain Man, Thelma and Louise, Wild at Heart, Little Miss Sunshine, Y tu mamá también.
Nesta ocasião cito os meus preferidos desta “viagem cinematográfica”!

E sua mãe também*****

“Durante uma tarde festiva, dois jovens de 17 anos convidam uma mulher mais velha para uma viagem à praia. Após uma recusa inicial ela decide ir com os dois, sem saber que eles não conhecem o caminho e nem mesmo se a praia realmente existe.”

Realista e inovador! O filme é uma explosão de sentimentos de relações, a viagem é o percurso da decadência de confiança e tem destino a um rito de passagem, jovem para adultos. Um drama de calar explicações e de acender sentimentos de incomodo e prazer. Muitos críticos costumam analisar o filme como uma espécie de pornô jovial vazio, mas é indiscutível a bela direção de Alfonso Cuáron neste filme de atuações maduras e personagens imaturos, onde a estória é contada com direito a detalhes e narrativa mais do que vulgar, mas real. Road movie picante e carnal que arranca podres e maravilhas que o ser humano pode ter!

Thelma e Louise****

“Cansadas da vida que levam, Geena Davis e Susan Sarandon decidem partir numa viagem inesperada e cheia de surpresas.”

Diversão estrogénica! Quem foi que disse que mulher não sabe “bota pra quebra sobre o volante!?” (não entendam no sentido quebrar da palavra)!
O filme é uma delicia de cinema que exibe a viagem mais alucinante que se tem noticias.
Aventura no melhor sentido do gênero, sem efeitos especiais salvo por um roteiro de primeira, direção eletrizante de Ridley Scott e elenco de tirar o chapéu! Um filme que tem tudo para ganhar a frase “Não se fazem mais filmes como antigamente” no final dos 130 minutos de película.
Emoção do inicio ao fim é intercalada por uma evolução dos personagens diante as situações problemáticas que vão surgindo durante uma viagem que a principio era apenas uma quebra de rotina. É incrível o efeito dominó que a trama apresenta e a ultima peça finaliza o filme com chave de ouro!
A fotografia dispensa comentários!

Diários de Motocicleta*****

“A viagem do jovem Che Guevara pela América do Sul, antes de se tornar um dos ícones da Revolução Cubana.”

Walter Salles já havia mostrado que entende de filmes de estrada com o maravilhoso Central do Brasil, mas em Diários de Motocicleta ele é ousado e confirma seu talento em técnica e visão cinematográfica.
Um road movie divertido, emocionante e rico em história e geografia latina. Fotografia e roteiro que saltam da tela em um piscar de técnica e simplicidade. Nostalgia de algo que não se tem conhecimento, mas como é bom senti-la!
Um trabalho de primeira!

Cinema, Aspirinas e Urubus*****

“Um alemão fugido da 2ª Guerra Mundial vende um novo remédio, a aspirina, pelo sertão brasileiro. Lá ele encontra um homem que passa a ser seu ajudante e também um grande amigo.”

O sertão nordestino, a seca, o nada, nunca foi um cenário tão belíssimo como neste filme! Desta vez o pano de fundo não são jovens imaturos implodindo testosterona como em E sua mãe também, neste filme o que se vê são sonhadores mudos, adultos no pior sentido da palavra. Os sentimentos estão todos engasgados, mas não são expostos. Um filme que mostra um povo que há tempos não sabe o que é felicidade e diante a “seca” realidade esquecem a magia da vida. O cinema neste filme tem exatamente a função de despertar encanto neste povo triste e dessa forma atrair a venda de aspirinas, que havia acabado de ser inventada. É neste ritmo que a viagem acontece...
Marcelo Gomes é quem comanda na direção deste filme nacional que deixa qualquer cinéfilo com esperança de avanço na nossa industria do cinema. O filme é exatamente como o cinema nacional deveria ser, mas infelizmente é apenas uma rara exceção.

Indicação "Road Literária": On the Road (Pé na Estrada), de Jack Kerouac! (Inclusive Walter Salles está trabalhando na adaptação para os cinemas desta excelente obra, não sei se em curta ou longa...???).

...a metamorfose de um grito - Garden State

2007-09-11T18:20:00.000-03:00

“Andrew Largeman (Zach Graff) é um ator de televisão razoavelmente bem sucedido, que vive em Los Angeles e leva sua vida num estado de torpor induzido por lítio há anos. Após a morte de sua mãe ele decide retornar à sua casa em Garden State, a qual não via há 9 anos. Mesmo distante por tanto tempo, Andrew não conseguiu escapar da dominação de seu pai, Gideon (Ian Holm). Preocupado em ter que retornar para casa após tanto tempo, ele encontra pelas esquinas de sua cidade-natal antigos conhecidos, que lhe relembram bons momentos de quando morava no local”.

Sabe aqueles filmes que são feitos para penetrar a alma e se alojar pra sempre em suas lembranças?
Se não sabe ainda, tente ver este filme!
Não é o tipo “doce” ou “very pretty” que te faz falar: “ah é bonitinho né”! É o tipo inexplicável de se dizer e perfeitamente coeso em se sentir. Garden State ( ou Hora de Voltar) é um filme existencial e essencialmente realista. Esbanja emoção em uma linguagem abstrata, a linguagem de jovens em criação. Tudo se torna incrível a cada segundo que se confirma perfeitamente comum: amigos de infância, emoções engasgadas, sentimento de nostalgia familiar e vida! Vida! O filme é sobre vida e suas tramóias que só são encaradas quando se tem o poder de gritar de dentro pra fora da alma, do peito, da dor. E que tramóias!? Não se sabe ao certo, só sabe que se resumem em dor e nascimento, silêncio e descoberta. Uma história que ensina qualquer um que um drama é uma comédia logo em seguida, uma lágrima é uma gargalhada quando seca. A essência de tudo isso é um sentimento que se baseia em viver, em se deixar viver. Libertação de sentimentos! É tudo isso que se vê em Garden State. Uma visão profunda de sentir e ter amizades, viver e criar momentos inesquecíveis e tolos, de fazer o bizarro e o decadente se tornarem atrativos para os que ainda acreditam na simplicidade das coisas, uma visão que belisca os sentidos de qualquer um que se entrega no ritmo leve e especial do filme. São sentimentos e mais sentimentos que se expressam, são tantos que deixa confuso e encantado até os cinéfilos mais metidos a conservadores da crítica destrutiva e especuladora. Como eu já disse, é impossível tentar explicar. Garden State é sentimento! E funciona...
Não só funciona na semântica como se auto-individualiza em técnica de primeira, o que não se baseia em renda, mas em criatividade! Direção, criação e atuação dignas de aplausos pela simplicidade e auto-confiança de Zach Braff (Um Beijo a mais, Scrubs). O jovem ator cria um sentimento jovial em aspecto maduro e sem os tipinhos de filmes adolescentes hollywoodiano, um sentimento que se ramifica em lições e mais lições de vida e de não-vida, tudo visto em uma direção harmônica, marcante, moderna, atípica ao lado de uma trilha sonora inesquecível e significativa. Gênero?! Drama, Comédia, Romance...intensamente ligados, sem espaço para clichês! Enfim, Zach faz a famosa técnica semântica (famosa é modo de falar, pois acabei de criar a expressão), tudo se torna mais claro quando analisamos a técnica e o contexto, mas não se sintam intimidados por isso já que tudo flui deliciosamente quando se deixa tudo “subentendido”.
Não é só Zach Braff que merece aplausos, o elenco é outro ponto de tirar o chápeu! Natalie Portman nunca esteve tão viva e engraçada (muito viva, muito engraçada) e Peter Sarsgaard maduro e simbolizado (símbolo: o jovem frustado sem causa e com causa levado por uma imagem de esperança, mascarado pela maturidade, o jovem fracassado tentando algo que não se sabe o que). O filme é repleto de personagens símbolos, comuns. Principalmente o de Large, vivido por Zach, que além de se mostrar um jovem preso a emoções é visto como o sonhador monótono que não sabe no que sonha, mas que sente a falta de alguma coisa. Se o texto está muito confuso pra você é porquê não deve ainda ter visto o filme, mas acho que a lei do subentendido também cai bem neste caso, pode estar confuso mais é perfeitamente significativo para quem conseguiu realmente viver em algum momento da vida. A minha vontade é tentar expressar tudo o que senti com Garden State, mas é frustrante ter a certeza que é perca de tempo! Espero que pelo menos a idéia foi passada...
Garden State atua como o raro atualmente, ele funciona! Assista com prazer e sensibilidade, se deixe levar pelo que ocorrer e pelo que sentir, isto é o básico que deve acontecer diante um filme de sentimento. Se quer se emocionar em grupo, então vá em frente e chame os melhores amigos e os piores também. Talvez os piores te surpreendam!

Vocês Sabiam? Ed.06

2007-09-04T16:49:00.000-03:00

1??? – Dragon Ball Z é alvo da Fox em 2008!

Com a ameaça de uma possível greve de atores, roteiristas e diretores a partir de junho do ano que vem, estúdios de Hollywood estão apressando a produção de vários projetos, incluindo alguns dos quais não se ouvia falar há tempos. Dragon Ball Z é um deles. A 20th Century Fox, estúdio responsável pela adaptação, não pretende poupar e a estimativa é de pelo menos US$ 100 Milhões no longa que será produzido no primeiro semestre de 2008. O tempo será mais curto do que nunca para o estúdio que ainda pretende filmar a continuação de Uma Noite no Museu e a refilmagem de Viagem Fantástica. Detalhes sobre a equipe responsável pelo projeto ainda não foram divulgados. Dragon Ball Z conta a história do guerreiro Goku, que descobre ser um humanóide enviado à Terra para destruir a população, mas, em vez disso, escolhe protegê-la de um ataque alienígena que se aproxima. Resta esperar por imagens, vídeos e mais informações da produção que promete ser mais do que um blockbuster, o que não é de se espantar afinal se trata talvez do mangá mais famoso do mundo! (Para satisfazer o mal educado do comentário e resolver o meu equívoco de ter esquecido de citar a fonte: Fonte: Cinema em Cena)

2??? – Zack Snyder na direção do remake The Illustrated Man!

O filme será adaptação do texto original da coleção de contos de Ray Bradbury, lançada na década de 50, na qual o filme de 1969, dirigido por Jack Smight, também se baseia. Os contos não possuem nenhuma ligação, mas sim o narrador que os conta, que possui o corpo coberto de tatuagens onde cada tatuagem revela uma história diferente de suspense e terror. O mais interessante é que quem olha para as tatuagens acaba sendo transportado para dentro dela, para dentro da história. Atualmente Zack está no comando da adaptação de Watchmen, portanto ainda é distante o projeto de The Illustrated Man, mas já é de se aguardar e se preocupar. Refilmagens raramente são bem recebidas pelos críticos de carteirinha, por justamente quase sempre serem produções muito inferiores ao original.

3??? – Meirelles abre blog oficial de Ensaio sobre a Cegueira!

Uma atitude nada comum por parte de diretores, mas mais do que diferente é o fato de o próprio Fernando Meirelles escrever no blog. O diretor não só divulga as informações da produção e dos dias de filmagens como também deixa claro em seus textos seus medos e indecisões em relação a produção, o que deve ser comum pra qualquer cineasta que deseja fazer uma adaptação no mínimo boa! O blog é muito interessante. Funciona como um diário comum, onde há relatos de visitas, pessoas que conheceu, problemas domésticos... O livro que está sendo adaptado por Meirelles e divulgado no blog narra uma inexplicável epidemia de cegueira e se passa dentro de uma estrutura de confinamento para os que perderam a visão. Sandra Oh (Sideways, Grey's Anatomy), Don McKellar (Clean), Maury Chakin, Yusuke Yseya, Yoshino Kimura, Mark Ruffalo (Zodíaco), Julianne Moore (As Horas), Danny Glover (série Máquina Mortífera), Gael García Bernal (Diários de Motocicleta) e Alice Braga (Cidade Baixa) estão no elenco. O roteiro adaptado é de McKellar. A empreitada da Focus Features, co-produção Brasil/Canadá, será rodada em Toronto, Montevidéu e São Paulo (nesta ordem). Blog: http://blogdeblindness.blogspot.com/

4??? – El Pasado, de Hector Babenco, ganha trailer sensacional!

O filme dirigido por Babenco (diretor de Carandiru), baseado no romance El Pasado, do argentino Alan Pauls, conta a história de Rimini e Sofia, dois adolescentes que se casam, ficam juntos por 12 anos e resolvem se separar. A partir daí, Rimini tenta recomeçar sua vida, mas a presença constante de Sofia irá provocar pequenas tragédias. A produção tem no elenco o mexicano Gael Garcia Bernal (Diários de Motocicleta) com provável atuação excepcional para sua carreira e um maior reconhecimento no Brasil, após sua presença em Babel. O trailer do filme não está disponível no Youtube (podem acreditar!), mas a galera do Omelete disponibilizou o link do trailer pelo Quicktime que vocês encontram aqui.
A expectativa é grande com esta produção que promete ser uma das grandes surpresas do ano! Então...vamos aguardar!

...o delírio is inside - Bug

2007-08-30T19:55:00.000-03:00

“Agnes White (Ashley Judd) é uma garçonete solitária, que escapou de seu ex-marido Jerry Gross (Harry Connick Jr.), recém-saído da prisão. Ela vive em um hotel de beira de estrada e é apresentada por R.C. (Lynn Colins), sua colega de trabalho, a Peter Evans (Michael Shannon), um veterano da Guerra do Golfo. Peter é do tipo estranho e observador que acaba se relacionando com Agnes. Porém ela passa a viver um pesadelo claustrofóbico quando diversos insetos começam a invadir suas vidas de forma insana e desconhecida.”

É imensa a satisfação que se sente a ir ao cinema e ver um filme de terror absolutamente sem clichês, em tempos em que o gênero foi desvalorizado a jovens chorões e psicopatas com traumas de infância. Há tempos que não via algo bom nas telonas a não ser produções hollywoodianas sangrentas e repetitivas.
Em Bug (ou Possuídos, pra quem curte título nacional, urgh!) a experiência foi realmente diferente e prazerosa. Após alguns erros, William Friedkin (diretor de Exorcista, Operação França...) volta a direção com um filme tão interessante do que se esperava. Friedkin constrói um terror psicológico extremamente angustiante e detalhado, resultando em um filme que saiu melhor do que a encomenda por superar tecnicamente e artisticamente uma história que poderia ser apenas algo bizarro e tolo.
Muito bem roteirizado e ótimos enquadramentos, além de contar com grande performance do elenco que atuam dignamente dispostos a Oscar, principalmente Ashley Judd que deixa qualquer um de queixo com sua dramatização explosiva.
Um ponto interessante é que o filme não possui trilha sonora, todas as cenas ganham vida através dos atores que se fortalecem ainda mais com as excelentes narrativas. O clima perturbador da trama é realmente de se incomodar, mesmo com a ausência do famoso empurrão que uma boa sinistra música dá a um filme de terror.
É indispensável destacar a presença de lances críticos que Friedkin inclui na trama que agem como tentativas inteligentes para serem exploradas, mas acabam se dispersando na história criando um clima sinistro e misterioso, ou seja, um erro causando um acerto. O filme ainda consegue se mostrar como muito além do que se parece através de indícios de conspirações e dualidade psicológica de interpretação, deixando a nosso cargo tomar uma posição diante o drama dos personagens.
Bug é entretenimento original e um excelente exercício psicológico repleto de cenas intermináveis e sem cortes de puro delírio físico mental. Não vai agradar a todos, talvez nem a maioria, por ser muito além que apenas um simples terror e, portanto, uma trama complexa e marcada por detalhes e grandes narrativas que exigem atenção e entrega de quem está vendo.
A cena final é de tirar o chapéu...obscura e real!

Resultado do Mr. Mestre

1ª Colocação com 26 votos: Pedro Almódovar
2ª Colocação com 23 votos: Bernardo Bertolucci
3ª Colocação com 20 votos : Gus Van Sant
4ª Colocação com 17 votos: Alejandro González-Iñárritu

Como foi avisado apenas os dois primeiros colocados estarão no Mr. Mestre que será postado no inicio de Outubro, portanto o mês de Setembro não terá a edição do Mr. Mestre (questões de tempo). Obrigado por participarem da enquete!

Até logo!

(obs: percebi que dei 3 estrelas e meia para Velvet Goldmine, não entendi o motivo de não ter dado 4 estrelas...enfim, reconsiderando isto, as 4 estrelas é a cotação do filme)!

...em tempos de gritos e cores - Velvet Goldmine

2007-08-22T18:53:00.000-03:00

“Em 1984, o jornalista britânico Arthur Smart é forçado a escrever uma matéria investigativa sobre o desaparecimento de Brian Slade , sumido há mais de 10 anos. Em 1971, Slade, líder do grupo Venus In Furs, influenciado por seu ídolo e amante, o americano Curt Wild , ajudou a firmar a era do glam-rock, transformando-se num ícone do movimento e causando polêmica ao se maquiar e explorar sua bissexualidade no palco. Para fugir do personagem que criou, Slade forja sua própria morte em público. Ao investigar a suposta falsa-morte de Slade, Arthur Smart se vê obrigado a enfrentar um trecho traumático de seu passado, diretamente ligado à carreira do músico e à própria explosão do Glam na Inglaterra.”

O Festival de Cannes sabia o que estava fazendo quando premiou Todd Haynes com o prêmio de melhor contribuição artística de 1998. Haynes exibe em Velvet Goldmine uma direção de mestre com uma montagem de estilo e um roteiro dinâmico e repleto de referências da época. Nunca tantos flash-backs foram tão úteis e “charmosos” para o enredo como neste filme. É notável o excelente trabalho no figurino, maquiagem e a delirante trilha sonora que além de manter ritmo frenético nos relatos dos personagens ainda consegue divertir até mesmo os que não curtem o estilo. O filme tem no elenco grandes nomes como Jonathan Rhys-Meyers, Ewan McGregor, Christian Bale e Toni Collete. Os principais destaques em interpretação é McGregor e Collete que simplesmente se transportam para a época, para o estilo e exibem na tela ousadia de sobra.
Historicamente, artisticamente e culturalmente (odeio este excesso de “mente”, mas foi necessário) o filme é um dos mais importantes dos últimos tempos. Dizer que é polêmico age como clichê da sinopse acima para quem leu. Muitos ainda fecham os olhos para pensar “a época era assim, é só época, já passou”, mas mesmo assim é um filme para poucos e tenebrosamente colorido para muitos. Em contrapartida é um grande atrativo aos jovens “alternativos” e cinéfilos atuais por retratar um movimento que agitou o cenário da época, mas que hoje é quase desconhecido, o glam rock.

O Glam rock era um estilo de música nascido no final dos anos 60 e popularizado no início dos anos 70. Era principalmente um fenômeno inglês que foi difundido em meados de 1971 e 1973. O Glam foi marcado pelos trajes e performances com muitos cílios postiços, purpurinas, saltos altos, batons, lantejoulas, paetês e trajes elétricos dos cantores. Eram os tempos da androginia e do glamour e suas musicas agitadas de rock n’ roll esbanjavam energia sexual. A ênfase lírica abordava a "revolução adolescente" (T. Rex - “Children of the Revolution “, Sweet - “Teenage Rampage“) assim como uma ampla notoriedade na direção de temas heterosexuais, sobre a decadência e fama. Os cantores de Glam freqüentemente vestem-se de forma andrógina, com maquiagem vistosas, trajes extravagantes. Ambigüidade sexual era um suspense charmoso na época, quase uma moda.
O retrato cinematográfico desta época rendeu em um filme muito charmoso e descontraído. É incrível a dramaticidade que é exibida em torno dos cantores de glam, que eram "personagens" conturbados e difíceis que não costumavam ter belos fins. Velvet Goldmine não deve ser visto como um "musical passatempo", pelo contrário deve ser encarado seriamente por se tratar de uma película fiel aos fatos. Fatos como o prazer pela libertação sexual e difusão da liberdade de expressão através de cores e anti-padrões sexuais. Fatos ainda existentes hoje na mente dos jovens, mas não como na época do Glam rock onde dizer que era “bissexual” e homens saírem na rua maquilados era comum.
A intensidade das semelhanças entre hoje e o glam rock pode ser pequena, mas as características do glam “voltam” a se exibir com o estilo da vez, a New Rave.

New Rave

A New Rave colore as pistas de dança do mundo, ao sons de sirene com direito a bastões de néon coloridos espalhados pelo público e músicas que fundem a melodia indie e momentos caóticos, misturados com música eletrônica. Um estilo que se reflete em rostos e roupas coloridas, principalmente em rostos europeus onde a influência é mais forte (influência criada e difundida pela banda Klaxons, que hoje é febre para os europeus). Os shows são divertidos, coloridos, e o público pula a noite inteira embalado por LSD, ecstasy e por drogas como o poppers, antigo vasodilatador que foi "ressuscitado" dos anos 70; a quetamina, mais conhecida por Special K, anestésico veterinário que, quando transformado em pó, é inalado e dá um "barato" equivalente a uma bebedeira que não deixa ressaca; e o GHB (gama-hidroxibutírico), mais conhecido como ecstasy líquido.
Por mais que apontem semelhanças com a década de 80 e 90 é impossível não notar semelhanças também com o glam rock, basta lembrar que cores também era o forte deste estilo (drogas é o forte de todos). É claro que tudo atualmente possui menos intensidade racional e objetiva, os jovens por mais que semelhantes ao da época do glam rock e várias outras épocas, são jovens cabeças ocas, sem querer generalizar. Muitos entram no embalo da música e se enfeitam como ela expõe e ponto final. Já não se vêem jovens com sede de mudança ou grito revolucionário, as famosas “formas de expressão” foram desvalorizadas pelo simples capricho da famosa “moda”. Mas...
...Bem-vindos a Era Camuflada, a Era dos Anônimos.

...a Lady de Shy - A Dama na Água

2007-08-17T19:10:00.000-03:00

"Cleveland Heep tem tentado desaparecer entre as lâmpadas queimadas e os aparelhos quebrados do complexo de apartamentos Cove. Mas na noite que muda sua vida de forma irreversível, ele descobre que uma outra pessoa está se escondendo na rotina desinteressante do modesto prédio: uma jovem misteriosa chamada Story, que está morando nos corredores abaixo da piscina do prédio. Cleveland descobre que Story é na verdade uma "narf", personagem de uma história de ninar épica, semelhante a uma ninfa, que tem sido perseguida por criaturas malignas determinadas a impedi-la de fazer a perigosa viagem de volta do nosso mundo ao seu."

Filmes odiados e escorraçados são convites pra mim, sempre quero tirar a prova. É interessante dizer isto, mas são os filmes que geralmente mais me surpreendem e me deixam na situação de admirador nato. Aconteceu isso com Extermínio, A Passagem, A Fonte da Vida e vários outros. A Dama na Água foi outro alvo de críticas negativas, principalmente por ser um filme com o rótulo de M. Night Shyamalan, um diretor de peso por suas obras sempre acima da superficialidade.
É incrível como até os cinéfilos, pessoas que se presumem ser “cabeça aberta”, sem preconceitos (se é que isso existe mesmo em alguém), as vezes se mostram conservadores, seguidores de padrão. Shyamalan com A Dama na Água mostra realmente que é excepcional e criativo, mas leva uma pancada do público que não soube olhar sua película com olhos sem padrões. Enfim, a própria identidade de direção do cineasta foi o motivo de tantas críticas, por neste filme apresentar uma história mais sensível.
A Dama na Água é um conto delicioso! Estávamos em três na sala, três adolescentes comendo brigadeiro após uma sessão pipoca é claro, faixa etária?! 16 anos! Três jovens sonhadores ao ponto de interagir ao máximo com o filme...foi incrível! É como se tivéssemos voltado aos tempos de infância, tempos de contos de fadas. Isso é a prova de que este conto de Shyamalan não é nada infantil, pelo contrário, um conto muito bacana (escrito por Shyamalan que lia para seus filhos), inteligente e suave.
Superficial?! Não...está longe de ser superficial! O filme é muito bem roteirizado e produzido, tudo se torna convincente da forma que é fotografada, belamente fotografado! Além disso é inegável que lições de moral e críticas estão lá, no meio das narrativas um tanto familiares com a situação em que vivemos...em certo momento ouvi: “oh, isso foi uma crítica ao Bush”! Parei pra pensar, realmente se encaixou. Se foi muita viagem ou não, isto não interessa. Um bom filme quando desperta visões além do que pretendia, se mostra como um ótimo filme. Shyamalan realmente conclui com lições bem Disney, deixa claro que todo ser tem uma importância, um papel a desempenhar e que para se alcançar boas novas e levar esperança é sempre importante a ajuda de todos, pois sempre há os scrunt (monstros que passam por cima da lei para evitar que algo muito bom aconteça) e a justiça que tarda sempre (esqueci o nome que representa). Por mais que sejam morais simples, no estilo Disney, Shyamalan cria situações mais sérias, que permitem maiores reflexões!
Personagens suburbanos e simples, por mais que atípicos, é o outro forte do filme! São responsáveis por cenas cômicas, principalmente as do grande Paul Giamatti (que faz o zelador do diferente condomínio) e as cenas do cínico crítico de cinema que acaba de chegar ao prédio (uma das cenas mais engraçadas e originais que já vi, quando o personagem fica de frente a um scrunt). A relação dos personagens na trama é de suma importância e a forma que Shyamalan exibe lembrou muito a simplicidade de Almodóvar.
Um filme no estilo “ame ou odeie”, mas para os mais conservadores basta esquecer que é Shyamalan que dirige, talvez resolva o problema que estão apontando por ai!
Diversão suave e morais agradáveis fazem do filme uma grande viagem!

...o último canto - Requiem Para Um Sonho

2007-08-13T19:50:00.000-03:00

O vício transborda lágrimas

que cursam faces atoladas

onde terminam alagadas em pleno canto negro

canto melódico
canto físico
canto sem canto nem canto de canto
canto do nada
canto de requiem
de requiem para um sonho
onde o sonho não é nada além de pó
que se acaba
e mata
mata
...e acaba!

Requiem para um sonho é uma viagem absurdamente real direto de mentes viciadas que simplesmente se resume em um filme obrigatório!
Arte crítica!
Técnica crítica!
Efeitos, trilha sonora e edições mais do que originais, únicas no cinema!
Darren Aronofsky mostra que tem estilo de direção e ainda promete muito. Chocante ao extremo marcado como um filme inesquecível em todos os aspectos!

Mr. Mestre - Quentin Tarantino

2007-08-05T20:23:00.000-03:00

História: Tarantino nasceu no Tennessee. Seus pais eram Tony Tarantino, ator e músico de ascendência italiana, e Connie McHugh, descendente de irlandeses e índios Cherokees. Logo após o nascimento de Quentin Tarantino, sua mãe casou-se com o músico Curt Zastoupil, com quem Tarantino mais tarde viria a formar fortes laços afetivos. Tarantino iniciou seus estudos na região de San Gabriel Valley, em 1968. Em 1971, sua família mudou-se para El Segundo, ao sul de Los Angeles, onde passou a freqüentar a Hawthorne Christian School. Ao sair da Narbonne High School, em Harbor City, Califórnia, aos 16 anos, iniciou os estudos em atuação na James Best Theatre Company. Aos 22 anos escreveu seu primeiro roteiro, Captain Peachfuzz and the Anchovy Bandit. Em 1984, Tarantino começou a trabalhar como balconista na Video Archives, uma famosa locadora de filmes em Manhattan Beach; lá se tornou amigo de Roger Avary, um colega de trabalho com quem mais tarde viria a colaborar em Pulp Fiction. Ele continuou seus estudos em atuação na Allen Garfield's Actors' Shelter, em Beverly Hills, mas passou a se dedicar principalmente a escrever roteiros.

Perfil: Os filmes de Tarantino são conhecidos por seus diálogos afiados, cronologia fragmentada e sua obsessão pela cultura pop. Ele é o mais famoso dos jovens diretores por trás da revolução de filmes independentes dos anos 90, tornando-se conhecido pela sua verborragia, seu conhecimento enciclopédico de filmes, tanto populares, quanto os considerados "cinema de arte".

Filmografia:
Cães de Aluguel (1992)
Pulp Fiction (1994)
Jackie Brown (1997)
Kill Bill – Vol.1(2003)
Kill Bill – Vol.2(2004)
Grindhouse(2007)

Três pérolas do Mr. Mestre Quentin Tarantino:

Reservoir Dogs

Tarantino inicia sua filmografia em ótima forma! Cães de Aluguel (1992) é a sua estréia na direção, um filme independente que foi co-produzida pelo ator Harvey Keitel, que também atuou no filme. Para levantar fundos para a produção do filme, Tarantino vende dois roteiros seus: Amor à Queima-Roupa (1993) e Assassinos por Natureza (1994).
Cães de Aluguel pode ser considerado tranqüilamente a identidade do cineasta: “Violência, humor e música”. São fatores marcantes na sua filmografia e que até hoje são usados em suas obras cinematográficas. Não apenas usados, mas explorados insanamente a fim do inusitado entretenimento de estilo e inteligência. O conceito de clichês não existe na mente do cineasta, Cães de Aluguel tem uma premissa muito comum e fácil de se vitimar em clichês, mas Tarantino inova com suas cenas mirabolantes e originais.
É isso que vemos no filme, caras engravatados e vestidos pra matar ao som dos hits dos anos 70 e com direito a piadinhas e discussões sobre Madona e derivados nas horas vagas. Fiquem tranqüilos, a parte da Madona é irrelevante! Mas os hits são de pirar o cabeção...na verdade, tudo com o estilo e imaginação de Tarantino se torna eficaz!
Um cinema do submundo mental!

Pulp Fiction

Violência e criminalidade se tornam a arte na tela! Tarantino novamente mostra que tem originalidade em exibir coisas simples de forma memorável. O marcante é a forma que ele conta a história utilizando elementos essenciais: interpretações, estilo e música!
Um dos filmes mais importantes da década de 90 que ainda conquistou o Oscar de Melhor Roteiro Original e algumas outras indicações. Um clássico (apesar de não ser o meu preferido do Tarantino)!

Kill Bill

Diversão e originalidade pura!
A melhor história de vingança do cinema...
Novamente os mesmos elementos a La Tarantino entram em cena dispostos a criar drama, ação e humor inteligente. O bizarro e o exagero remete ao mundo dos gibis e mangas e dão ao filme estilo e beleza visual.
Um filme imperdível para quem gosta de muita porrada bem aproveitada e toques de sarcasmo vingativo!

Repescagem! ( Disputa entre quatro diretores onde será escolhidos os dois mais votados para os próximos Mr. Mestre)

Enquete: Quais os dois próximos diretores que vocês querem ver no Mr. Mestre?

a)Alejandro González-Iñárritu

b)Gus Van Sant

c)Bernardo Bertolucci

d)Pedro Almodóvar

Vocês Sabiam? Ed.05

2007-08-01T21:19:00.000-03:00

Galera estive viajando por isto me ausentei do blog e dos comentários nos outros blogs. Por causa disso tudo atrasou! Hoje eu deveria postar o Mr. Mestre, mas sendo assim ficará para Segunda-Feira.

O vencedor do Mr. Mestre foi Quentin Tarantino com 63,89% (23 votos) contra Pedro Almódovar com 36,11% (13 votos).

(Não se esqueçam que a famosa "repescagem" irá acontecer em breve com os diretores que não ganharam nas enquetes!).

1??? – Lançado primeiro vídeo revelador de Príncipe Caspian!

Esta semana revelou uma grande surpresa para os “narnianos”! Um vídeo de uma entrevista com o ator (Ben Barnes) que fará Caspian no próximo filme da série foi lançado na net. O vídeo mostra os ensaios do ator, as aulas de luta e algumas cenas do filme onde alguns personagens aparecem. Príncipe Caspian se ambienta tempos depois da primeira aventura. Agora dominada pelos telmarinos, que baniram os animais falantes e as criaturas mitológicas, Narnia precisa novamente da ajuda dos irmãos Pevensie, invocados pela trompa mágica de Susana. Curiosamente, é um legítimo herdeiro dos telmarinos, Caspian, quem clama pelos reis em nome da antiga magia de Narnia. Enquanto não sai o trailer oficial (dizem que só em Dezembro) ficamos com este vídeo que vai deixar muita gente curioso!

2??? – Misteriosa produção de J.J. Abrams com trailer e novo pôster!

Há tempos que Abrams (criador de Lost) vem fazendo jogo de suspense com o tal filme-catástofre (sem título) que está produzindo. Os possíveis títulos são Cloverfield, 1-18-08, Slusho. Enquanto há as especulações em busca do título, já está disponível o trailer e o pôster do filme! A primeira sensação ao ver ambos é de se tratar de um filme no estilo O Dia depois de Amanhã e após ler a sinopse logo vem O Hospedeiro em mente, enfim...se tratando de Abrams tudo é possível, o cara é muito competente e não produziria um filme de terror na onda Godzilla ou sei lá o que...(espero que a modinha dos monstros não volte)! O mais interessante é que o trailer do “sem nome” é diferente, é real e impacante. Talvez estamos diantes de um grande filme cult que exiba caos e realidade de mãos dadas!

Sinopse: Um monstro gigante ataca Manhattan, deixando a população em pânico. Todo o terror espalhado pela criatura é acompanhado através do registro feito por pessoas nas ruas com suas câmeras de vídeo caseiras.

3??? – Naomi Watts confirmada em próximo filme de Harry Potter!

A atriz Naomi Watts acaba de confirmar que irá viver Narcissa Malfoy, mãe de Draco. Não é de se espantar pois David Yates já mostrou que sabe o significado de grandes atrizes quando incluiu Helena Bonham no atual filme do bruxo. Está certo que é uma escolha bem comercial que Watts fez, mas as vezes é necessário aparecer para a grande “massa”! No livro da autora J.K. Rowling, que inspira a produção cinematográfica, Narcisa que será interpretada por Watts é descrita como uma mulher "alta, de olhos azuis e extremamente esnobe". David Yates confirmou que irá comandar 'Harry Potter e o Enigma do Príncipe', ele também dirigiu 'Harry Potter e a Ordem da Fênix'. 'Harry Potter e o Enigma do Príncipe' deve chegar nos cinemas americanos e brasileiros dia 21 de Novembro de 2008. (Fonte: Cinepop)

4??? – Depp adaptará livro de Hunter Thompson!

Sete anos após anunciar estar trabalhando na adaptação para as telonas do livro Rum - Diário de um Jornalista Bêbado, o ator Johnny Depp (Piratas do Caribe) mostra que o projeto segue "vivo" em suas mãos. O filme baseado em Rum - Diário de um Jornalista Bêbado será produzido por Depp e Graham King (Os Infiltrados), que adquiriu os direitos de adaptação da obra. Bruce Robinson (Jennifer 8 - A Próxima Vítima) ficará responsável pelo roteiro e a direção do longa-metragem, cujas filmagens devem começar depois que Depp concluir o trabalho em Shantaram, produção que está sendo filmada no momento.Rum - Diário de um Jornalista Bêbado conta as aventuras de um jovem jornalista, desiludido com a carreira, que resolve mudar-se para Porto Rico, onde trabalha para um pequeno jornal local. O filme tem previsão de estréia para 2008. (Fonte: Cineclick)

Corrente Literária

2007-07-24T13:20:00.000-03:00

Confesso que não sou um grande leitor, na verdade comecei a criar o hábito de leitura este ano, mas já havia lido alguns livros antes. Geralmente “cinéfilos” (sou apenas um iniciante para este termo) no inicio dão preferência apenas para a arte cinematográfica, mas descobri que há uma perfeita sintonia entre literatura e cinema. No “ler” a riqueza de informação é infinita depende da imaginação de cada um que concretiza o que está lendo, na leitura nós somos os cineastas, os criadores...o cenário somos nós quem criamos, tudo claro usando a imaginação. No cinema a percepção é o requisito mais lindo que alguém pode ter, a riqueza do “ver” também é infinita...
Enfim...vamos ao que interessa! Logo abaixo estão cinco livros que gosto muito, o que não significa que são os melhores, afinal não li muitos livros, mas são merecedores de estar na corrente literária!

Ensaio sobre a cegueira
de José Saramago

Conta a história de uma praga de cegueira, inexplicável e incurável, que começa num homem sentado no trânsito e, lentamente, se espalha pelo país. À medida que os afetados pela epidemia são colocados em quarentena, em condições desumanas, e os serviços civis começam a falhar, a história segue a mulher de um médico, a única pessoa que não é afetada pela doença que cega todos os outros.
Este foi o primeiro grande livro que li, grande em todos os sentidos...
O livro é caótico e critico, tudo flui na história! Personagens interessantes e extremamente humanos, mas que em situação epidêmica o lado desumano e primitivo se apossa completamente e é ai que percebemos estar diante de um livro extremamente atual e realista. Ano que vem estará nas telonas pelas mãos de Meirelles, mas recomendo que leiam antes do filme. Excelente!

Iniciação Ao Cinema (Derrière L’Écran)
de J.P. Chartiér e R.P. Desplanques

Ao contrário de muitos, eu adoro ler livros teóricos sobre cinema! Este livro com certeza deve ser um dos melhores do gênero pois consegue mesclar teoria e prática através de exemplos longos, que acabam se tornando histórias muito interessantes.
Eu sonho em um dia trabalhar na área cinematográfica (quem dera como cineasta, aiai) então foi bem difícil pra mim pegar este livro, fiquei com receio de gostar muito e acabar refletindo em escolhas perigosas (resumindo: fazer faculdade de cinema)! Mas é exagero claro, o livro é um sonho mas ainda tenho os pés no chão com relação a escolhas...
O livro se divide em: Como se faz um filme ( Os mistérios do estúdio, Do cenário à decupagem, “Não há um papel para mim?”, Do estúdio ao laboratório) e O Ponto de vista do espectador (Todo o mundo vai ao cinema, A linguagem das imagens, Ouçamos o cinema, A significação de um filme, O cinema e o futuro do espírito).
O livro é de 1958 e consegui ele na biblioteca da cidade, ou seja, não é tão fácil ter acesso a ele...

Assassinos pelos quais me apaixonei
de Alfred Hitchcock

Uma reunião de suspenses feita por Hitchcock em ótimo estilo. Pelo titulo pensei se tratar de algo bem macabro e psicótico, mas me enganei. São histórias interessantes e originais, com muito mistério e reviravoltas.
A única parte escrita por Hitchcock é a introdução em forma de história, que infelizmente tenho que admitir que ele devia estar com pressa, pois é muito fraca.
Para quem gosta de ler suspenses este livro é uma ótima opção! São histórias inspiradoras...

As Crônicas de Nárnia (todos os 7 livros)
de C. S. Lewis

Nos últimos 50 anos, As Crônicas de Nárnia encantaram milhões de leitores, e os acontecimentos mágicos descritos na prosa imortal de C.S. Lewis inscreveram-se para sempre em nossas memórias: um mundo em que uma feiticeira decreta inverno perpétuo, onde há mais animais falantes do que gente e onde as batalhas são travadas por centauros, gigantes e faunos.
Não sei se é o tipo de livro que mereça estar em uma corrente literária, mas também não vejo motivos para não poder estar. É comum as pessoas lerem fantasias, crianças e adultos. Esta coleção do Lewis é a minha favorita do gênero. Tenho que admitir que o filme dirigido por Andrew Adamson é a história mastigada e cuspida já que ele não conseguiu criar um mundo com as mesmas dimensões do livro, contraindo o livro a um filme Disney infantil, mas que por um lado ainda conseguiu agradar os não fãs do livro, enfim para um começo talvez ainda não foi tão mal.
Eu sou um completo defensor das fantasias, acho que adultos e crianças sempre devem ler livros do gênero e As Crônicas de Nárnia é encantador! Dou ênfase ao Príncipe Caspian, O Sobrinho do Mago e A Cadeira de Prata!

O vôo do cisne
de José Luiz Tejon Megido

Este é um livro que nos leva a acreditar que temos de descobrir o cisne que existe dentro de nós e que isso significa abandonar a vida de patinho feio. Romper com a normalidade de ser apenas mais um. Enxergar a nossa própria luz. E procurar a nossa turma. Turma de cisnes! Embarque nessa viagem ao encontro de uma pessoa muito especial, você. Nenhum ser, jamais saberá o que é ser outro ser !
Trata-se de um livro agradável, terno de uma pessoa que tirou ensinamentos de uma época difícil de sua vida e o colocou em prática em prol de seu crescimento pessoal.
Resolvi colocar este livro na corrente por ser o único de auto-ajuda que eu li, e gostei bastante. Não costumo ler auto-ajuda por achar as vezes que se tratam de livros tendenciosos e superficiais, mas este me agradou bastante.

Passo a corrente para: Alex Gonçalves (Cine - Resenhas ), Johnny (Cine JP ), Kelnner (Smells like shit), Rafa e Andressa (Cinematógrafo ), Yan (http://yanhoo.blogspot.com/ )!

...it's in your nature - Traídos Pelo Desejo

2007-07-19T00:30:00.000-03:00

Você é um tolo sensível?
Se é, apenas lamente...
Você é um fraco?
Se é, apenas lamente...
Não!
Não vou vim com aquele papo “apesar de tudo você é especial, você não é fraco só está fraco, você não é um sensível só está carente e inocente demais, tente melhorar e bláblábláblá”.
É a sua natureza!
Como? Quem sou eu para falar isso? Sr. Ninguém, e o prazer é todo seu, é claro!
Eu não sou ninguém para falar isso, mas Neil Jordan é! É, ele é alguém acredite...
Não!
Não é o escorpião nem a rã, talvez seja os dois, se quiser saber mais...ficará sem saber mais.
Como? Quem é você para me julgar atrevido? Se é a sua natureza se envolver e descobrir, pois então descubra quem Neil Jordan é, se é a rã ou o escorpião...
It’s in your nature!
Dizia um soldado uma história que dizia sobre a rã e o escorpião que dizia algo que Mr. Jordan disse em uma película há uns tempos atrás...você não viu? Eu sei, está na nossa natureza deixar passar águas boas e beber mijo disfarçado de água! Afinal...nem sempre as coisas são como esperamos! As vezes encontramos um pênis onde deveria estar algo bem diferente de um pênis, mas espera...são opostos, pelo menos possuem alguma relação!
Não!
Isto não foi uma metáfora, ou aquele tipo de frase para reflexão...
Eu pareço um arrogante querendo exibir originalidade com este papo solto? Pode ser...
Quando gosto de uma coisa procuro expô-la de maneira diferente, pronto! Agora já não estou sendo original confessando um padrão!
É a minha natureza!
Mas nem tudo é o que esperamos ser, é exatamente o previsível! Esta frase não era o que você esperava não é mesmo?
Não!???
Como assim não está entendendo nada?
It’s in your nature!
Um cara chamado Jordan, é ele mesmo, o grande Jordan! O mestre das cestas? Não, tolo...um cineasta. The Crying Game é o falante de tudo, ou se você prefere, Traídos pelo Desejo! Bláblábláa e você ainda não entendeu que estou falando de um filme!?
Não se irrite, nem tudo é o que esperamos ser e a sua natureza eu não conheço!
Não!
Não estava falando com você! Leitor fique calmo, me pegou de surpresa...ignore tudo, não foi pra você! A não ser que a carapuça tenha lhe servido bem é claro...pelo menos não de um de bizarro e vá beber mijo! Algo como The Crying Game seria uma boa água...
Comentário:
Em todos os aspectos excelente!
Original, criativo, radiante, maduro, único e eficaz...
Neil Jordan brinca de criar e abusa de quem brinca a sua brincadeira! Uma criação de mestre, impecável!
O texto acima ficou muito confuso para quem não viu o filme, mas espero ter sido uma forma de atração e memorização da obra!

(Obs: Próximo post - Corrente literária/ E não levem a mal o texto, realmente foi apenas um texto imaginativo....não foi indiretas a nínguem/ Continuem votando na enquete, disputa acirrada).

Seleção - Top Estrelas

2007-07-16T21:33:00.000-03:00

A escolha das atrizes foi mais difícil que a dos atores, não por falta de opção mas pelo contrário, excesso de opções!
Passou pela minha avaliação atrizes como Cate Blanchett, Keira Knightley, Tilda Swinton...
Felizmente cheguei a conclusão de que sempre soube quem eram as minhas preferidas, então logo me decidi.
Abaixo alguns critérios e informações sobre as estrelas escolhidas!

Naomi Watts
Uma pedra rara!
Quem ai consegue me indicar um filme em que ela não está maravilhosa atire a primeira pedra!!! Eu realmente ficaria agradecido, senão vou começar a me convencer de que a perfeição é uma mulher! (que perigo!) Brincadeira...
Naomi Watts é uma atriz de fibra e tem consciência profissional! Seus trabalhos são sempre de alto nível, escolhas interessantes e ousadas, é claro que uma ou outra vez fez escolhas muito comerciais (O Chamado, King Kong) mas mesmo assim não deixou de brilhar, pelo contrário, o que seria de O Chamado sem Watts?!
Falar de suas grandes atuações é um clichê, em 21 Gramas ela humilha qualquer atriz, a dramaticidade que ela transmite consegue superar o objetivo do seu papel. Um pouco antes deste drama excelente, ela também está incrível em Cidade dos Sonhos! Sua atuação é um misto de personalidades, sua ousadia é desproporcional ao que pode existir.
O que é de se espantar é que a atriz foi indicada uma única vez a Oscar de “Melhor atriz”, em 21 Gramas. Enfim, absurdos a parte, Naomi Watts é uma das melhores atrizes da atualidade e uma das imagens mais carismáticas do cinema!

Eva Green
Semente do século!
Na minha opinião é a melhor coisa que surgiu para o cinema neste inicio de século!
Com apenas 5 filmes na sua filmografia ela já conseguiu cativar fãs e críticos do mundo inteiro. Em Os Sonhadores ela inicia a carreira de atriz de forma ousada e sensual, consegue transmitir tranqüilidade e confiança suficiente para duvidarmos que é a sua primeira vez diante as câmeras. Recentemente a musa estrelou o novo filme da franquia 007, que surpresa novamente! Sua sensualidade natural rouba a cena e deixa qualquer um de boca aberta. Não é por menos, a mocinha tem um olhar fascinantemente perigoso e hipnótico!
É fácil notar que Hollywood está de joelhos diante a estrela, no final do ano a musa estará nas telonas em A Bússola de Ouro, uma fantasia que promete arrancar milhões inimagináveis como ocorreu em As Crônicas de Nárnia.
Eva Green ainda irá surpreender muito com o seu exótico talento!

Nicole Kidman
A Filha do Cinema!
Quando divulguei o TOP Astros e Estrelas no blog foi inevitável o seguinte comentário: “Ah tinha que ser eles!”. Nicole Kidman talvez foi a maior responsável por este tipo de comentário por motivos óbvios, ela é retratada como o rostinho de Hollywood! Loira, branquinha, olhos azuis e até pouco tempo, mulher de Tom Cruise! Ingredientes básicos para ter uma imagem superficial e desvalorizada.
Juntos durante 10 anos, Kidman e Cruise era o que havia de mais badalado e Kidman era a famosa “mulher de Tom Cruise”. Somente após a separação, em 2001, que Kidman começou a ter um reconhecimento mais valorizado e sua filmografia mais bem preenchida.
Os outros, Moulin Rouge, As Horas e Dogville foram suficientes para reverter o quadro de Kidman, a influência de Tom Cruise é anulada e a atriz se torna a mulher do cinema! Nestes quatro filmes citados Nicole está radiante como nunca, atuações que não permitem palavras para explicar o que vemos!
Quem estiver interessado em ver o desenvolvimento da atriz ao longo de seus trabalhos, deve começar por Bush Christmas e Bicicletas Voadoras que são os seus primeiros trabalhos, ambos de 1983.
Indo mais para o lado pessoal, admito! Nicole Kidman é o meu único amor platônico, e o que há de estranho nisso hein! Quem não tem um amor platônico ai tecle o NÃO!
Nada mais comum, Kidman é juntamente com Naomi Watts (amigas desde 1991) uma das atrizes mais carismática, radiante e talentosa da atualidade!

Seleção - Top Astros

2007-07-14T00:52:00.000-03:00

Como todos já perceberam, há pouco tempo divulguei o meu top de astros e estrelas e simplesmente não comentei nada sobre a seleção. Pois bem, farei isto neste post! Hoje será apenas os atores.
Não tive dúvidas na escolha dos astros nem outras opções que considero merecedoras. Desde já antecipo que a seleção é pessoal, meus critérios variam de talento a carisma, enfim, são selecionados que resultaram da minha opinião e ponto de vista. Abaixo estão algumas justificativas, critérios...

Cillian Murphy
Um brilho original! Tudo começou com Extermínio, uma atuação explosiva e equilibrada que fez da estréia do ator uma grande revelação! Esta estréia grandiosa lhe rendeu prestigio e tapetes vermelhos em Hollywood, mas sua humildade e discrição afastou a fama e os seus privilégios.
Em Vôo Noturno mais uma vez Cillian surpreende na pele de um ser psicótico e cruel interesseiro, na verdade, ele é quem salva o filme! Não sei se existe dupla revelação em tão pouco tempo, mas foi isto que ocorreu em Café da Manhã em Plutão, Cillian Murphy encarna um personagem delicado, sofisticado, atrevido e imortal. Murphy mostra como interpretar! Um grande profissional que naturalmente rouba cenas com o seu exotismo atuante.

Ewan McGregor
Inovação multifaces! O diretor Danny Boyle é um pescador de revelações, Ewan McGregor e Cillian Murphy é a prova disto.
Cova Rasa (dirigido por Boyle) é o primeiro filme de importância na carreira de McGregor, a partir daí nunca mais parou. Sempre soube escolher bem o que fazer, Trainspotting sem dúvidas foi um marco na carreira do ator, um personagem estranho, ousado e em transe que se tornou um símbolo cult que lembra Alex de Laranja Mecânica.
Em Velvet goldmine vemos um McGregor irreconhecível e vulgar, mais uma vez provou que tem potencial para escolhas interessantes. Moulin Rouge, é claro que não me esqueci, McGregor em nova face constrói um platônico amante da música, amor, liberdade...É impossível esquecer sua voz e atuação neste belo musical! McGregor é um ícone!

Gael Garcia Bernal
Um grito excepcional! Este mexicano é arretado...
O talento ele não adquiriu pois sempre o teve, o que este ator tem de tão chamativo é a sua inteligência e coragem! É um dos atores que mais admiro quando o assunto é escolha de trabalho. Amores Brutos, E sua mãe também resumem o que eu tento dizer. Filmes pesados, críticos, maduros, difíceis, adjetivos assustadores para um novato naquela época, mas Bernal vai de cabeça e dá um show em atuação! O processo de revelação começa com estes excelentes cults um tanto que desconhecidos.
Em Diários de Motocicleta e Má Educação o mexicano surpreende novamente, a idéia de ator de filmes polêmicos e violentos começa a desaparecer e dá inicio a tempos de boas novas para o baixinho carismático que Gael Garcia Bernal sempre mostrou ser. Um ator que em breve estará recebendo estatuetas, assim como logo Cillian Murphy também estará! Enfim, uma promessa de ouro!

Mr. Mestre - Roman Polanski

2007-07-07T16:05:00.000-03:00

História: Roman Polanski nasceu na França em 1933, mas cresceu na Polônia, onde vive até hoje. Ele foi responsável por vários clássicos do cinema, como: “Chinatown”, “Tess”, “Lua de Fel”, “A Dança dos Vampiros” e “O Bebê de Rosemary”, que é considerado por muitos como o melhor filme de terror de todos os tempos. Em “O Pianista”, Polanski consegue mostrar ao mundo uma situação vivida por ele, que “morou” no Gueto de Cracóvia dos 9 e os 11 anos, quando finalmente fugiu dos campos de extermínio, onde morreram sua mãe e sua irmã. As tragédias na vida do franco-polonês não param por ai, em agosto de 1969 viu sua mulher Sharon Tate, grávida de 8 meses de seu primeiro filho, ser brutalmente assassinada pelo rockeiro Charles Manson e integrantes de seu culto.O diretor foi indicado quatro vezes ao Oscar e ganhou um Globo de Ouro, mas sempre será lembrado nos festivais cults, já que ganhou uma “Palma de Ouro” e dois prêmios “Cesar”. Polanski vive na Polônia e não vai aos Estados Unidos desde 1978, para não ser preso, pois foi condenado por estupro de uma garota de 13 anos. Por isso, o diretor não pôde comparecer a cerimônia do Oscar 2003, que o consagrou como melhor diretor por "O Pianista". (Fonte: Cinemacafri)

Perfil: Polanski é um diretor versátil e habilidoso! Gosta de retratar estórias até que bem simples, mas se atreve a aprimora-lás com cenas ousadas, criativas e polêmicas. É um diretor com perfil rigoroso, frio! Não é sua postura enrolar os seus filmes com detalhes, ele vai direto ao ponto e acerta.
Não tive muito tempo para me esforçar na procura dos clássicos de Polanski, por isto não falei das obras que vocês (comentadores do blog xD) me indicaram. O Pianista é uma obra recente, gosto de mostrar sempre um clássico e um mais recente, por questões de experiência cinematográfica do diretor ao longo dos anos. O Inquilo é de 1976 e faz parte de uma trilogia temática que logo abaixo expliquei melhor, por isto o escolhi! Abaixo, uma relação de alguns dos filmes dirigidos por Polanski!

Duas pérolas do Mr. Mestre Roman Polanski:

1) O Pianista

"História de um pianista polonês que precisa se esconder no Gueto de Varsóvia para sobreviver em plena 2ª Guerra Mundial."

Neste filme vemos um Polanski mais maduro do que nunca e ao mesmo tempo cuidadosamente brilhante! Filmes sobre a 2ª Guerra Mundial geralmente exibem a mesma coisa de sempre, muito drama e canalhice humana. O Pianista mostra isto e mais: música e frieza dos fatos.
Polanski procurou ser o mais frio e fiel possível. Percebe-se isto pela quase ausente trilha sonora no filme (excetos nos momentos da música do piano), o drama é seco e cru. Nada de músicas bonitas para emocionar ou pessoas soluçando de tanto chorar, apenas umas ali e outras aqui...
As situações criadas por Polanski, especialmente na segunda metade do filme e protagonizadas por Adrien Brody, são seqüências de tirar o chapéu. A fotografia é impecável e o conteúdo histórico do filme consegue ser proveitoso e ao mesmo tempo interessante de se ver. Um grande filme que Polanski inspirou em si mesmo para relatar uma época de sangue e injustiças.

2) O Inquilino

"Um polonês aluga um apartamento em um estranho edifício francês, onde passa a ser visto com desconfiança pelos seus vizinhos. Ao descobrir que a última inquilina do apartamento onde mora se suicidara, ele aos poucos passa a ficar obcecado por sua história."

É o terceiro filme da trilogia composta por Repulsa ao sexo e O Bebê de Rosemary, que são filmes que falam dos horrores vividos por moradores de apartamentos/cidades. Resolvi falar sobre O Inquilino pois é o menos conhecido da trilogia, o que não significa ser o mais fraco eu suponho (já que não vi os outros dois, por não conseguir ter acesso).
O Inquilino é tenso e equilibrado! Apesar de ser totalmente previsível, consegue ser inovador com a maestria de Polanski que cria cenas e circunstâncias inesquecíveis e absurdamente primorosas. O mais interessante é que Polanski não concentra o filme todo no apartamento, há um bom dinamismo nos passos do personagem central (vivido por Polanksi). A trilha sonora lembra muito a de “O iluminado” e o terror psicológico em alguns momentos tem quase o mesmo impacto.
O inquilino é uma trama sombria com toques modestos de Polanski!

(Desta vez farei o contrário, para o próximo Mr. Mestre coloquei na disputa dois diretores bem diferentes, exceto no sucesso e no talento. Não sei se será bem disputado, talvez me surpreenda, mas espero que votem conscientes).

Enquete: Qual diretor vocês querem ver no próximo “Mr. Mestre”? (Barra lateral direita do blog há o sistema de enquete).

a - Quentin Tarantino

b - Pedro Almodóvar

Vocês Sabiam? Ed.04

2007-06-30T01:09:00.000-03:00

Mais uma edição do Vocês Sabiam repleta de novidades! Desculpem a minha ausência, estava sem pc esta semana, nem tive como comentar. Abraços!

1??? – Musical do ano em estilo Beatles’ Hits!

“Across the Universe” promete ser um dos melhores filmes deste ano e ainda confirmar a excelência do gênero musical. Dois jovens, um britânico e uma americana, apaixonam-se em meio à revolução social dos anos 60 e a explosão musical dos Beatles. É isto mesmo, este grande grupo musical faz parte não só da trilha sonora, mas do sentido da película em si. O filme mesmo prometendo se tornar a nova febre do cinema, não está sendo bem divulgado como deveria. Espero que o filme não passe despercebido como foi o caso de Filhos da Esperança. Um filme no estilo zen, teen, hippie, rock, amor e violência com toques de fantasia musical e ar de época imortal. O trailer já está disponível na net, e digo mais, é sensacional! A estréia está prevista para Outubro!

2??? – Hitchcock – Mais uma vez alvo de remake!

Não será apenas “Os Pássaros” de Hitchcock que terá remake, segundo o Cinematical o filme “O pensionista” também ganhará um remake. O filme, lançado em 1926, é baseado em uma obra de Marie Lowndes e acompanha um serial killer que ataca mulheres de cabelo loiro. É neste cenário de terror que a dona de uma pensão começa a desconfiar que um de seus hóspedes é o homem por trás dos crimes. A produção de 'O Pensionista' começa ainda este ano com a direção de David Ondaaite. Espero que a febre dos remake não volte tão cedo! Hitchcock não ia gostar nem um pouco de ver seus filmes nas atuais mãos hollywoodianas.

3??? – Suspeita de bomba - Kill Bill terá mais 2 seqüências!

Outro mal além dos remake que acaba com grandes filmes são as seqüências incompreensíveis que as vezes inventam. Estas duas seqüências de Kill Bill serão filmadas na China. Segundo o produtor Bennet Walsh, a terceira parte da produção mostrará a vingança de dois assassinos que tiveram olhos e armas destruídos a machadadas por A Noiva (Uma Thurman). No quarto filme, a vingança será das filhas que presenciaram a morte da mãe.

Kill Bill é uma experiência ousada e divertida de Tarantino, mas vamos combinar que mais seqüências não são necessárias! Não quero ver um filme de Tarantino (se é que terá ele na direção!?) se tornando mesmice e fundo de bilheteria!

4??? – Alex não morreu! Malcolm também não!

Malcolm McDowen é o ator que fez o personagem imortal de Alex DeLarge em Laranja Mecânica. Você nunca ouviu falar dele depois de Laranja Mecânica? Bom, não se preocupe, McDowen mesmo tendo mais de 50 filmes em sua filmografia ele é um ator que não se sobressaiu na mesma altura de que Alex em outros filmes. Atualmente está com 64 anos e, as vezes, aparece em algumas pontas de filmes famosos fazendo o sogro da coadjuvante ou coisas do tipo. Malcolm só foi indicado uma vez para o Globo de Ouro (indicação por Laranja Mecânica), depois disso nunca mais foi indicado para nenhuma premiação.
Malcom McDowen teve sua importância por ter imortalizado um ser que conseguiu criar em sua interpretação em Laranja Mecânica, e também por confirmar a importância e necessidade que o cinema tem de personagens, e não atores atuantes! Personagem é o que faz virar clássico e referência imortal. Atualmente nos contentamos com o Capitão Jack Sparrow (é assim que escreve?!) e com o Shrek, afinal quando será que vamos nos deparar com personagens imortais novamente?!

...o cinza de amanha - Filhos da Esperança

2007-06-23T23:40:00.000-03:00

Humanidade preste a desaparecer é o que este magnífico filme utiliza para exibir um retrato caótico do ser humano. Alfonso Cuarón mostrou ousadia e inteligência criando uma situação desesperadora em um futuro bem próximo. Os efeitos da poluição, degradação ambiental, aquecimento global e blábláblá foram piores do que o esperado. Não! Não são geleiras derretendo, e nem mesmo ondas gigantes, são as mulheres! Mulheres que subitamente começam perder a capacidade de fertilização! Há 18 anos uma criança não nasce, o que significa que dentro de 100 anos já não existiram pessoas, o fim da humanidade! Cuarón não se preocupa muito em aprofundar no caos em si, o que no meu ponto de vista foi um erro, pois o mestre perdeu algo valioso que podia ser grandioso e único. Cuarón se preocupou em exibir a posição fria e crua das pessoas quando descobrem que há uma criança no ventre de uma última esperança. A mulher grávida é vista como um objeto valioso, uma promessa de continuação da humanidade e ao mesmo tempo uma arma de interesse político e financeiro. O governo é acusado por revolucionários de que não aceitaria a criança mais jovem do mundo sendo filho de mãe imigrante e negra! É algo espantoso a questão da etnia e nacionalidade ainda nestas alturas ser algo relevante. Filhos da Esperança é mais um filme que conseguiu expor o comportamento humano diante o caos com maestria.

A fotografia e a edição de som é sublime, a realidade se resume na tela do televisor. É impressionante a visão que Cuarón teve em retratar a sociedade em caos, o cinza e a névoa simbolizam a tristeza, o desespero, o medo e a podridão daquele tempo em que não se ouvia ou via crianças correndo, gritando, cantando. As cenas são longas, pesadas e difíceis. A cena do parto é extremamente real e tocante, na verdade ainda acho que não foi nada artificial, acho que alguém estava realmente em trabalho de parto! Enfim, além desta cena memorável ainda tem os últimos minutos para surpreender qualquer Spielberg e Jackson por ai, simplesmente cenas aflitantes de tão fiéis ao real.
Daria 5 estrelas para o filme se ele não tivesse sido tão bom e interessante a ponto de não ter utilizado ao máximo toda a criação, por isto dou 4!
(Vencedor do próximo Mr. Mestre: Roman Polanski 57% / Bernardo Bertolucci 43%)

...um mundo em transe - Ken Park

2007-06-18T16:08:00.000-03:00

A realidade exposta para incomodar, a polêmica para acentuar sentimentos e ocasiões. Esta produção de Larry Clark (Kids) é o retrato fiel da juventude em transe calada! A pornografia explicita se perde no meio de tanta realidade, tornando-se aceitável e necessária. A conclusão é precisa, todos somos Ken Park, sentimos Ken Park e tememos Ken Park!

“ A rotina de quatro adolescentes da cidade de Visalia, Califórnia. Shawn (James Bullard) é um skatista que transa com a namorada e com a mãe de sua namorada. Tate (James Ransone) gosta de se masturbar várias vezes seguidas e tem um cachorro de três pernas. Ele é criado pelos avós, que não respeitam a sua privacidade, o deixando furioso. Claude (Stephen Jasso) é agredido seguidamente pelo seu violento pai, um alcoólatra que o acusa de homossexualismo, e é consolado pela sua apática mãe grávida. Peaches (Tiffany Limos) anseia por liberdade, mas tem de cuidar de seu religioso pai, um cristão fundamentalista, que a espanca após vê-la transando. Embora conversem o tempo todo, cada um dos personagens não sabe dos problemas enfrentados pelos outros.”

Filmes adolescentes são sempre chamativos, mas a mesmice é um fato marcante nesta temática. Em Ken Park a mesmice sai de cena e a sensação de ausência de clichês é inevitável. O problema, sim houve problema, suficiente para mover péssimas críticas, enfim, o erro é que a ótima trama nunca se sobressai a ponto de engrandecer a essência do filme. É algo como um retrato cheio de detalhes, cores, vidas, expressões, porém, sem legenda! É isto que vemos em Ken Park, um filme que não consegue “pegar no tranco” apesar de expor situações e personagens interessantes. O motivo de não vermos clichês no filme talvez seja devido a ausência de um aprofundamento no drama do enredo, é algo contraditório mas lógico!
Ken Park em contrapartida, com seu ar de filme cult, consegue ressaltar que os problemas adolescentes não giram apenas em torno de rebeldia sem causa. Os sentimentos e confusões que os jovens sempre encaram é um mundo estranho, onde a sua lógica se distancia a cada vez que eles são ignorados e discriminados. A família é a base e vitima do poço insano que é a mente de um jovem. Em Ken Park o extremo é fatal, a cena do suicídio e do assassinato em dose dupla (sem detalhes para não viram spoiler) é algo arrepiante, mais ainda quando tentamos aproximar da realidade e descobrimos que não é nada distante.
A pornografia se torna comum quando o assunto é o diretor Larry Clark, portanto não iremos julgar a identidade do cineasta, quem não quer ver seios, pênis e vaginas aqui ou ali na tela, então não vejam o filme! Alias, nada mais profissional e lógico do que usar o sexo para discutir o sexo. Inúmeros aplausos ao Clark por NÃO ter assimilado o conceito de pornografia, nudez e sexo somente a mulher. Raramente isto acontece, é comum vermos no cinema a mulher como objeto explícito de nudez. Qual foi a ultima vez que você viu uma cena de nu frontal masculino em um filme? E uma cena de nu feminino? Notou a diferença ridícula!
Ken Park esteve perto de ser um filme único ao tema. A cena final do filme é uma pérola, a utopia de um mundo onde as pessoas apenas fazem sexo e nada mais, onde não há governo, dinheiro e poder, evidencia a necessidade de fulga da realidade cobiçada pelos jovens. Jovens em transe encontrando no sexo e nas drogas os únicos refúgios, conflitos entre pai e filho, a religião associada a pureza e oposta aos prazeres sexuais, depressão desconhecida gerando agressividade imprevisível ao lado de uma família vitimada por não saber como agir ou não agir. Resultado interessante, apesar do velho e bom “tranco” não ter acontecido.

...o que quase ninguem viu - ESTAMIRA

2007-06-13T19:17:00.000-03:00

É comum excelentes documentários brasileiros serem supervalorizados lá fora enquanto no Brasil o conceito desta arte é desconhecida pela maioria. O cinema nacional não atrai tanto o brasileiro aos cinemas, nem mesmo nos camelôs eles conseguem muita atenção. Não é diferente quando o assunto é documentário, que é uma forma inteligente de projeção mais barata e acessível. O erro é geral, desde a cultura brasileira até a falta de incentivo governamental a arte do cinema. O diretor Marcos Prado provou desta deficiência brasileira quando recebeu 29 prêmios pelo ótimo “Estamira”, sendo apenas 5 recebidos aqui no Brasil. A falta de atenção pela obra é gritante, o que se torna mais absurdo ainda por se tratar do retrato de uma brasileira catadora de lixo, que os estrangeiros conhecem melhor do que nós brasileiros.

“Estamira” exibe a realidade enfrentada por uma mulher pobre e indefesa diante a exploração que sofria pelo pai e pelo marido, e a realidade vivida no momento presente. A calamidade que são os lixões e a vida de quem depende deles também é explorada pelo documentário, de forma passiva, pois em nenhum momento o documentário se posiciona e critica diretamente o que esta exibindo, a crítica é vista nas imagens e na conclusão de cada um que assiste. Para muitos o documentário nada mais é do que um conteúdo real sobre esquizofrenia e uma pequena crítica aos vergonhosos lixões. Os fatos exibidos no documentário permitem concluir muito além disto. A proposta do filme é que se entenda como a senhora de nome Estamira enxerga e explica a realidade, e até mesmo a sua própria perturbação.
O resultado deste espantoso retrato real é extremamente abrangente e estimulante. Estamira não soube lidar, quando mais jovem, com as marcantes experiências que viveu, como estupros, fome, miséria, torturas, abusos. Porém o que se pode entender quando vemos a sua vida presente é que ela se tornou capaz de entender claramente a realidade do mundo e da vida, a sua loucura nada mais é que resultado do conhecimento de tal realidade, ou seja, a realidade é perturbadora, ser louco é ser realista, poucos como Estamira conseguem ser, enxergar ou conviver realmente com a realidade como ela consegue agora, capacidade que atingiu ao longo dos seus traumas e experiências naturais. Estes poucos que não são capazes de ver a realidade encontram o seu refugio na fé, enquanto Estamira tem como refugio ela mesma. Ela se vê com a missão de espalhar a verdade, e que tudo depende de sua existência. A sua repulsa a Deus não deve ser simplesmente interpretada como um sentimento maligno, basta tentar imaginar como alguém revoltada com a realidade, mas em plena consciência dela possa ainda acreditar que exista um salvador do mundo, um Deus. Estamira é um ser que reúne todos ou quase todos os sentimentos que um ser humano pode sentir, desde a gratidão ao ódio, da lucidez a loucura. Ela tem sua própria filosofia, e consegue ser muitas vezes desafiadora em seus discursos sobre aspectos científicos e naturais do ser humano, além de ser um poço de criticas claras e “perigosas”. Ela dá uma lição de moral para quem não dá e nem vê valor a pequenas coisas, valor nem ao nosso próprio lixo, ou melhor, o que se diz lixo.
Estamira quando diz estar em todo lugar ressalta a idéia de que há sempre alguém como ela ou alguém que um dia será como ela, uma mulher feita acima de tudo de idéias, criticas e vida, não só de carne e osso. O documentário além de tudo, no meu ponto de vista, deixa a fórmula contra a loucura, basta nunca conhecer a realidade do mundo, portanto ser mudo, cego e surdo.

(Obs: Este texto é uma republicação minha, pois já foi publicado no meu fotolog!)

Amor e muito Jazz!

2007-06-08T12:34:00.000-03:00

Musicais são sempre bem vindos para os cinéfilos e, as vezes, nem tanto para os mais leigos. O gênero é algo excepcional, tudo é permitido! Obviamente tudo com muita qualidade! Chicago e Moulin Rouge são filmes que se entregam em qualidade invejável por muitos clássicos do gênero! Estes dois recentes trabalhos são pérolas de muito profissionalismo e magia dançante/musical! O gênero musical apresentado nestes dois trabalhos felizmente consegue fugir da famosa frase: “Já não se fazem filmes como antigamente”. Nada melhor do que relembrar...

Forte e contagiante! Tão contagiante que é comum a vontade de dançar e cantar (não é mesmo Paulin?). Um filme tecnicamente perfeito apresentando uma trama divertidíssima e espetacularmente sensual! Grande produção que conseguiu reforçar o renascimento dos musicais com um elenco simpático e competente ao extremo. Talvez não tenha conseguido anexar a parte musical ao enredo em si tão bem como Moulin Rouge consegue, pois muitas vezes tudo se passa na imaginação da sonhadora Roxie ou até mesmo é exibido como forma de espetáculo puro. Em contrapartida, Chicago consegue um dinamismo entre dança e musica de tirar o fôlego e aplausos. Comparações a parte, cada arte se exibe como deve ser exibida.

Em Chicago o crime é arte! Ser infame é um prazer admirado e bem requintado. O amor é ausente nesta trama, mas o sangue pela vingança move com dinamismo o mundo de Chicago. Grandes atuações e cenas inesquecíveis como a do tango das assassinas na prisão e Zeta-Jones exibindo o número de duas dançarinas, porém sozinha. Ganhou 6 Oscars, nas seguintes categorias: Melhor Filme, Melhor Atriz Coadjuvante (Catherine Zeta-Jones), Melhor Direção de Arte, Melhor Edição, Melhor Figurino e Melhor Som. Dirigido pelo estreante Rob Marshall.

Emocionante e criativo! Um filme que conseguiu renovar o conceito de triangulo amoroso, e fazer de uma estória bem simples e comum, uma produção inesquecível! Deu inicio ao renascimento do gênero musical posteriormente confirmado por Chicago. Uma obra brilhantemente contemporânea pelas edições musicais. Puro sentimento cinematográfico, uma pérola que não se pode resumir muito em palavras.
Em Moulin Rouge o amor é arte...all we need is love! Até mesmo os sonhos estão inferiores ao amor e realmente fica difícil contestar com tanta magia, paixão e musica. A canção é muita bem exposta e ligada ao enredo. As atuações possuem a famosa química e glamour.

O filme é contagiante ao ponto certo de se tornar referencia em romance e musical. Cenas inesquecíveis como a do tango explosivo e todas da Canção dos amantes. Indicado em 8 categorias, ganhou apenas 2 Oscars, nas seguintes categorias: Melhor Figurino e Melhor Direção de Arte. Dirigido por Baz Luhrmann.

E ai? Há noticias de novos musicais a caminho?